Jean Leymarie

« Hegel annonçait déjà la mort prochaine de l’art, dont beaucoup pensent que c’est maintenant chose faite, dans une ère de pression technologique et de conditionnement culturel. Mais si l’art n’existe plus ou si nul ne sait plus comment le définir, il reste encore, fort heureusement, des artistes, c’est-à-dire des êtres de fantaisie et de liberté, qui sont la sauvegarde de l’homme. Ce qui compte, c’est la fonction créatrice de l’art, liée irréductiblement aux sources et au mystère de la vie, non les produits artistiques dont nous sommes au contraire massivement saturés par une diffusion souvent corruptrice et neutralisante. La planète tout entière, que l’homme est désormais capable de détruire ou de quitter, risque de se transformer en gigantesque et dérisoire objet d’art pour les futurs musées de l’espace. » (Rencontres de Genève, L’art dans la société d’aujourd’hui, tome XXI, Les Éditions de la Baconnière, Collection : Histoire et société d’aujourd’hui, Neuchâtel, 1968).

En 1967, Jean Leymarie participait aux Rencontres de Genève, aux côtés de James J. Sweeney, Theodor W. Adorno, Yves Bonnefoy, Alejo Carpentier Y Valmont, Gaëtan Picon et René Clair. Jean Starobinski était là. Les actes nous restent.
Son constat est lourd d’inquiétudes: l’art est menacé de mort; notre monde aussi. Mais il reste et il restera les artistes et la « fonction créatrice de l’art », constitutive de l’humain. Qui consacrera dans les années qui viennent un livre à Jean Leymarie (1919-2006) qui porta sur l’art du XXe siècle un regard si aigu? Qui reprendra à nouveaux frais la réflexion sur l’art dans sa relation avec le réel et la société des hommes, alors (et depuis) ressentie comme irrémédiablement abimée?

De nul lieu et du Japon

Ce 24 juin 2020, découverte du recueil de Jacques Dupin, De nul lieu et du Japon. Le poète Jacques Dupin (1927-2012), ami de Miro, a bien connu le Japon. Son livre, publié en 1986 par Fata morgana a d’abord été publié en 1978, accompagné par le peintre Jean Capdeville (il en existe un tiré àpart, imprimé par les typographes Fequet et Baudier). Voir ici.
27 textes brefs se succèdent. Voici le premier :

Plonger
entre ses genoux ouverts
reconquérir sur le blanc
le sang heurté de sa naissance

À parfaire
dans le geste d’encre

L’instabilité de l’éclair
indéfiniment maîtrisé

Voici le dernier, plus que les autres encore, dense et laconique :

Rien que
la question     le nombre
la terreur

La réception de GUTAI, en France, épisode 1.

En ce temps de confinement, circuler virtuellement entre Japon et France comme remède… Les indications suivantes sont incomplètes. Je demande l’indulgence des lecteurs qui sont invités à enrichir ces données, par leurs commentaires.

Découvrir GUTAI. La bibliographie concernant Gutai est abondante. Suggérons seulement, pour commencer, l’article suivant qui aborde à la fois l’histoire et la démarche des artistes, les sujets encore à creuser (du moins en 1986), et le rôle de Michel Tapié: PACQUEMENT Alfred, « Gutai : l’extraordinaire intuition », in VIATTE Germain et al., 1910-1970, Japon des avant-gardes, Paris, Centre Pompidou, 1986, p. 284-291.

Une chronologie des expositions consacrées à Gutai en France donne une première idée de la réception du mouvement japonais.

  • Gutai, Galerie Stadler, Paris, 30 novembre 1965 – 8 janvier 1966. Michel Tapié. 1re exposition en France.
  • Gutai est présent dans l’exposition 1910-1970, Japon des avant-gardes, Paris, Centre Pompidou, 1986. Le commissaire, Germain Viatte, qui va ensuite prendre la direction des Musées de Marseille, fait entrer des œuvres dans la collection du Musée Cantini.
  • Gutai est présent dans l’exposition Japon art vivant, Centre de la vieille Charité, 24 janvier- 8 mars 1987 (Jean Biagini, Shigeo Chiba, Maeno Toshikuni, Japon art vivant , catalogue, Marseille, S.l., Graffite, 1987).
  • Gutai, Galerie nationale du Jeu de paume, 4 mai-27 juin 1999 (Sarah Clément, Françoise Bonnefoy, Isabelle Sauvage, Gutai, catalogue, Paris, G.n. du Jeu de paume et RMN,1999. Yamamoto Atsuo, Ming Tiampo, Florence de Meredieu, Gutai, Moments de destruction, moments de beauté, actes du colloque organisé en juin 1999, Paris, Blusson, 2002).
  • Gutai , l’abstraction lyrique et l’art informel dans les collections du musée Cantini (?), Marseille, musée Cantini, janvier (?)-17 mai 2015.
  • Gutai, L’espace et le temps, Rodez, Musée Soulages, 7 juillet-4 novembre 2018 (Decron B, dir., Gutai, l’espace et le temps, catalogue, Rodez, Musée Soulages, 2018).
  • Gutai est présent dans l’exposition Viva Gino, une vie dans l’art, Toulouse, Les Abattoirs, 28 février-23 août 2020 (exposition actuellement inaccessible et en l’absence de catalogue).

Parmi les sources en ligne: site de la documentation du Centre Pompidou, site www.enrevenantdelexpo.com, site du musée des Abattoirs de Toulouse, dépositaire des archives de la galerie Stadler. Merci également à M. G. Viatte qui nous a accordé un entretien téléphonique . Il a joué un rôle important dans la connaissance de Gutai en France.

La sonnette de TANAKA Atsuko

La sonnette de TANAKA Atsuko, la japonaise (GUTAI), sonne vigoureusement l’alarme. Elle force en nous les « déplacements, dégagements » réclamés par le peintre et poète Henri Michaux. Par elle, nous comprenons que l’acte artistique s’impose, nous arrache au confort et attente à nos équilibres. Elle a été installée  au sol, cette semaine, au musée des Abattoirs. Sonnerie stridente, insistante et mobile à la fois, qui démarre dans une salle, suit (pour l’œil et l’oreille  du spectateur) un chemin circulaire  dans les salles voisines, perd en volume pour revenir en force dans la salle de départ. Elle fait partie des très nombreuses et exceptionnelles pièces de la collection de Gino Di Maggio présentées jusqu’au 23 août 2020 à Toulouse.

TANAKA Atsuko, 1st Gutai Art Exhibition, Ohara Kaikan, Tokyo, ca. October 19-28, 1955.

Les autres femmes artistes (pour reprendre la typographie d’une récente parution de Phaidon, 400 femmes artistes) présentes dans cette exposition sont KUBOTA Shigeko, SAITO Takako et Yoko ONO. Sont évoquées YAYOI Kusama et SHIOMI Mieko.

Chemin de traverse

Nicole Marchand-Zañartu et Jean Lauxerois, Médiapop éditions, 2020

Le livre 32 grammes de pensées, Essai sur l’imagination graphique, n’est pas dédié aux seuls arts visuels. Et pourtant… Il présente, à 32 reprises, un « schème ou schéma originaire selon lequel prend forme et s’organise une brusque inspiration, une pensée naissante , une théorie en gestation, une œuvre en cours d’élaboration ». Bref, voilà des « grammes », qui sont aussi « la mesure de la légèreté », et qu’accompagne un court texte. Délice à lire/à regarder. On y trouve cette définition du « peindre » que ne renierait aucun des Modernes qui, de Georges Braque aux Abstraits, ont recherché l’autonomie de l’espace pictural , tout en étant héritière de la tradition allemande (p.49). Elle est signée d’Oscar Bluemner, surnommé « le Vermillonnaire », qui se disait proche de Goethe :

« Étant donné que le « peindre » est aussi bien ligne (dessin) que couleur (pigment et medium) sur un support (papier blanc, toile claire), et qu’il comporte des figures plates lumineuses au lieu de volumes plastiques (sculpture), la ligne de couleur et la couleur qui l’emplit, tout comme l’espace fond lumineux, doivent être ressenties et doivent être rendues comme ressenties: et c’est là par quoi naît l’expression, ou la plastique picturale (au lieu de la décoration). Dans la peinture, ce qui prévaut, c’est l’âme, dans la décoration c’est l’esthétique : espace,contour, emplissage sont les trois éléments. » (Oscar Bluemner)

Bibliographie de critiques d’art francophones

L’équipe de Bibliographie de critiques d’art francophones de l’université PARIS 1 qui met en ligne de précieuses informations sur les critiques d’art francophones va ouvrir bientôt, grâce au laboratoire HiCSA, une nouvelle séquence de travail. C’est une bonne nouvelle. Voir http://critiquesdart.univ-paris1.fr

Cette information nous permet de rappeler ici une bien plus mauvaise nouvelle, la disparition récente de Claude Schvalberg, ancien libraire de La Porte étroite, à Paris, auteur du Dictionnaire de la critique d’art à Paris, 1890-1969 (Presses universitaires de Rennes, 2014, Préface de Jean-Paul Bouillon). La clarté, la solidité des informations qu’il délivrait était sans faille. Nous sommes nombreux à avoir pu nous appuyer à son savoir. Notre reconnaissance est grande et sa mort provoque une grande tristesse.

Note d’écoute

Sur France culture, La Fabrique de l’histoire, on peut réécouter 4 émissions consacrées au Japon, dans le cadre des célébrations de l’année du Japon (1er trimestre 2018) : 1. Contester au Japon dans les années 60, Art et politique, 2. Foujita, le plus parisien des Japonais, une traversée des années folles (intéressant pour comprendre la place de Foujita après la 2e guerre mondiale), 3. Les femmes japonaises, tradition, modernité et féminisme , 4. Cultures de guerre et identités au Japon, des samouraïs aux kamikazes.
Cette série passionnante (malgré son inscription dans la thématique, tradition et modernité, sur laquelle il y aurait tant à dire) éclaire directement ou non la vie artistique de l’après-guerre. Michael Lucken et Myriam Sas sont les invités de la première.

Femmes, années 50. Au fil de l’abstraction, peinture et sculpture

C’est le titre de la nouvelle exposition du Musée Soulages de Rodez, du 14 décembre 2019 au 10 mai 2020. PROLONGEMENT jusqu’au 31 octobre 2020. « Elles » sont à l’honneur. L’histoire de la mise en valeur des artistes femmes commence aux États-Unis au milieu du XXe siècle et n’a pas fini de s’écrire. Qu’elle soit reliée ici à celle de l’abstraction dont l’étude revient sur le devant de la scène. est une très belle idée.

Le catalogue (Hazan-musée Soulages) est une mine. En particulier l’article de Julie Verlaine, « Des ‘papesses de l’art abstrait’ aux ‘galeriennes de l’art’. Portrait collectif des directrices de galerie dans les années 1950 », les entretiens (Pierrette Bloch, Colette Brunschwig, Raymonde Godin, Liliane Klapisch, Vera Molnar), l’Abécédaire (de Abstraction-Création à Zeid), la bibliographie très informée. Avec un avant-propos d’Alfred Pacquement et un hommage du directeur de musée, Benoit Decron, à Geneviève Bonnefoi.

« Déjà aux Etats-Unis se tenait en 1951 l’exposition fondatrice Ninth Street Show, dans laquelle figuraient 4 femmes : Joan Mitchell, Grace Hartigan, Elaine de Kooning et Helen Frankenthaler. Dans L’ Autre moitié de l’avant-garde 1910/1940 de Lea Vergine, Éditions des femmes, publication doublée d’une exposition en 1980 en Italie, Lea Vergine parle de découvrir la « moitié suicidée du génie créateur de ce siècle ». En 2009, le Centre Pompidou offrait une importante exposition, « Elles », qui réunissait plus de 3 millions de visiteurs ». Site du musée Soulages

Plastic experiments

TAKIGUCHI Shuzo, « III-3 », Decalcomanie, paper

Plastic experiments est consacré au travail plastique de Takiguchi Shuzo (Shoto Museum of Art, 2001). Ce titre fait référence à une oeuvre du poète: « In 1967 he published Shuzo Takiguchi’s Poetic Experiments 1927-1937 in which he recollected poetic texts he wrote during the war ». L’œuvre ci-contre est reproduite sur le site de la galerie Toki no wasuremono de Tokyo qui défend l’œuvre de l’artiste.

Surréalisme au Japon

« Les écrivains japonais pratiquèrent le surréalisme d’une façon qui leur permettait de mettre entre parenthèses les différences existant entre le Japon et la France comme entre l’Ouest et l’Est, et de créer ainsi une littérature moderne au sens plein du terme, c’est-à-dire universelle. En conséquence, pour beaucoup d’intellectuels japonais, le surréalisme incarna la condition même de l’esthétique moderne. » HASHIMOTO Satoru

L’histoire du Surréalisme au Japon est évidemment redevable au groupe d’André Breton (et ce, dès les années vingt). Mais elle est surtout originale, d’abord par l’importance de son impact (repérée par André Breton lui-même) mais surtout par ses orientations, dans le contexte culturel japonais.

Les publications en japonais abondent. En France, les travaux de Véra Linhartova ont été parmi les premiers (Dada et Surréalisme au Japon, Paris, Publications orientalistes de France, 1987). En 2016, Martine Monteau et Atsuko Nagai (Sophia University, Tokyo) ont proposé un dossier passionnant (« Le Surréalisme au Japon » Revue Mélusine, n°XXXVI ). Sur le site de la revue, on peut en lire la présentation. Mais nous attendons avec impatience la publication numérique, dans son intégralité, puisque la maison d’édition ne le livre plus. Par chance, un article très intéressant du chercheur HASHIMOTO Satoru (université de Chicago) est en lecture sur le site. Intitulé « Politique de la méta-esthétique: Surréalisme, Japon et colonialisme« , il permet de saisir la spécificité du Surréalisme japonais.

La présence du Surréalisme au Japon est très prégnante, non seulement dans les années 20 et 30, mais après 1945 et encore aujourd’hui, en littérature comme dans les arts visuels. La récente exposition consacrée à l’artiste FUKUZAWA Ichiro (1898-1992), au Musée national d’art moderne de Tokyo, en est un exemple. TAKIGUCHI Shuzo (1903-1979), poète, peintre et animateur de la vie artistique après la guerre, joue un rôle éminent bien sûr (une exposition lui était consacrée en 2018 dans ce même musée). Mais elle ne doit pas oblitérer les autres figures du Surréalisme, tout aussi importantes, tel YAMANAKA Chiru (Tiroux) (1905-1977). Une conférence du professeur Kurosawa Y., en 2018, à l’université de Sophia où l’avait invité le professeur Nagai, m’a permis de le découvrir. (Références des publications à la rubrique Tokyo-Paris, 1945-1970.)

TAKIGUCHI Shuzo

Bibliographie sélective

Attention: la bibliographie suivante est en chantier. Par ailleurs, les références en japonais sont incomplètes (données seulement en caractères latins).

  • Art Office Ozasa, To and from TAKIGUCHI Shuzo & To and from Kazuo Okasaki, Kyoto, Art Office Ozasa. Catalogue d’exposition, 7 janvier-12 février 2017 (J).
  • Chiba Museum of Art, Shuzo Takiguchi and Marcel Duchamp, 2011. Catalogue de l’exposition, Chiba Museum of Art, 22 nov. 2011-29 janvier 2012 (J).
  • MOMAT, TAKIGUCHI Shuzo and the Artists Who Captivated Him, Tokyo, MOMAT, 2018. Catalogue de l’exposition, 19 juin-24 septembre 2018 (EN-J).
  • Setagaya Art Museum & The Museum of Modern Art, Toyama,  TAKIGUCHI Shuzo, Drifting Objects of Dreams : The Collection of Shuzo Takiguchi, 2005. Catalogue de l’exposition Tokyo, Setagaya Art Museum (5 février-10 avril 2005)  et Toyama, The Museum of Modern Art (28 mai-3 juillet 2005) (J).
  • TAKIGUCHI Shuzo et TSUCHIBUCHI Nobuhiko, Shuzo Takiguchi : 3 volumes pour 4 expositions.  I (2014) : SK, 8-25 janvier 2014. II (2014) : SK, 12-29 mars 2014. III (2017) : SK and Marcel Duchamp, 5-22  novembre 2014 et SK, 17-31 octobre 2015.  Tokyo, Gallery Toki-no-Wasuremono /  WATANUKI Inc. (EN-J).
  • TSUCHIBUCHI Nobuhiko, « Shuzo Takiguchi, sa vie, son œuvre », in Revue Mélusine, n°XXXVI, Paris, L’âge d’homme, 2016, p.  189-201.
  • à suivre…

OKAMOTO Taro

Bibliographie sélective

Attention: les références en japonais sont incomplètes (données seulement en caractères latins).

in catalogue Picasso’s Impact : Face in a Midday, 1948
voir bibliographie.
  • HIRANO Akiomi, Taro Okamoto Tohoku (photographies d’O.T., 1957-1965), Taro Okamoto Memorial Museum, 2017 (EN-J).
  • MORANDO Camille, « Le mythe à l’épreuve chez Taro Okamoto, peintre à la société secrète Acéphale et au Collège de sociologie (1936-1940), in Fabrice Flahutez et Thierry Dufrêne, Art et Mythe, Nanterre, Presses universitaires de Nanterre, 2011, p.  59-71. En ligne sur Open Editions.
  • OTANI Shogo et al., Okamoto Taro, The 100th Anniversary of His Birth, Tokyo, Momat, 2011. Catalogue de l’exposition au Musée national d’art moderne, 8 mars-8 mai 2011 (EN-J).
  • TSUKAHARA Fumi, « A la Recherche de l’origine de la Tour du soleil, Taro Okamoto et le surréalisme des années trente », in MONTEAU Martine et NAGAI Atsuko, Mélusine, n°XXXVI, Paris, L’âge d’homme, 2016, p. 291-303.
  • WALDBERG Patrick, Taro Okamoto, le baladin des antipodes, Paris, Éditions de la Différence, 1976.

Repenser Malraux

André Malraux, ministre des affaires culturelles. Copyright: culture.gouv.fr

Repenser Malraux, la valeur actuelle de sa pensée interdisciplinaire. C’est le titre d’un colloque qui se tiendra à Tokyo, les 7 et 8 décembre 2019, à l’université de Sophia et à la Maison franco-japonaise. Six thèmes seront traités par des spécialistes français et japonais d’André Malraux : L’humanisme, L’après-guerre, La tentation de l’Asie, L’histoire littéraire et Malraux, Le discours concernant l’art, Le cinéma et l’essai sur le cinéma. Organisation: European Institute of Sophia University & Comité du colloque international d’André Malraux 2019 au Japon.

Informations: https://relarts.hypotheses.org/files/2019/11/Repenser-Malraux-Tokyo-pdf.pdf

André Malraux, qui fut le premier des Ministres des Affaires culturelles (1959-1969), fut à l’initiative de la Biennale de Paris, qu’il nommait aussi « Biennale des jeunes », l’une de ses premières décisions. On célèbre cette année les soixante ans du Ministère. Étudier la peinture et plus largement la vie artistique de l’après-guerre exige l’analyse de la politique culturelle, celle d’ André Malraux, et, près de lui, de Gaëtan Picon, directeur des Arts et lettres, en duo avec Émile Biasini.

« La peinture radieuse de David Lewis »

David Lewis est un artiste anglais, installé à Rennes, en Bretagne, depuis 1990. En février 2019, je l’ai vu entrer dans l’amphithéâtre où se tenait le colloque organisé à la MSHB de Rennes. La réflexion sur l’art abstrait que nous menions alors l’intéressait, lui permettant, sans doute, de repasser mentalement par les bifurcations et les carrefours de son parcours: l’évolution de son travail montre en effet que le rapport à la nature et la présence-absence de la figure le préoccupent. Son site, qui s’ouvre sur une photo de pleine présence, permet de prendre connaissance de ce parcours. Mais des écrits le concernant, c’est celui signé de Michel Nuridsany qui m’a le mieux éclairée : « La peinture radieuse de David Lewis », in Jean-Pierre Bruaire et Catherine Melotte, David Lewis, Granville Gallery, 2011. Les monochromes (bas de la page) exposés alors sont distingués par le critique de ceux de Malévitch ou d’Yves Klein. Voilà pourquoi:

« Cette peinture est chargée d’un vécu, certes peu apparent mais non inexistant (…) . Les monochromes de David Lewis (font) naître (la peinture) d’un fond chargé de mémoire à partir duquel elle émane. On pourra dire que ce n’est rien, mais tout s’en trouve changé. Il s’agit d’apparences semblables mais d’un processus différent, d’une façon de mettre en œuvre avec radicalité ce qu’André Masson appelle de ses vœux: « Dans l’art, écrit-il, il n’y a ni formes, ni objets, il n’y a que des événements, des surgissements, des apparitions« . Exactement cela: David Lewis fomente des apparitions. »

On lira aussi avec intérêt le court texte du peintre, « A propos de ma peinture ».

Les arts visuels à travers les écrits

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