La publication des actes du projet, La « relation critique » en France : les arts visuels vus à travers les écrits, 1944-1964, sous la direction de Lilian Froger et Françoise Nicol, regroupe les communications présentées lors des séminaires et du colloque de février 2019 qui ont constitué la première phase du projet.

Cette “relation critique” a été observée via les interactions des discours entre France et d’autres parties du monde. S’il est apparu assez vite, à la lumière de la collection Archives de la critique d’art de l’INHA et avec l’aide du professeur Jean-Marc Poinsot, que les échanges entre France et États-Unis avaient fait l’objet de nombreux travaux, la nécessité s’est manifestée de revenir sur nombre de relations croisées entre capitales et centres artistiques, encore mal cernées (Berlin-Paris, Milan-Paris, par exemple). Mais dans les limites de ces deux années, il a fallu choisir. C’est le triangle Paris-New York-Tokyo et le Japon qui a été, du moins très partiellement, abordé. Ces travaux ont confirmé l’extrême vitalité de la création et des débats dans ces vingt années qui suivent la 2e Guerre mondiale, ainsi que la présence évidente de nombreuses zones d’ombres. Il y a encore beaucoup à faire pour redonner vie, loin des catégories figées, à cette période qu’il faut traiter à nouveaux frais.

Merci à Lilian Froger, Laurence Imbernon, Martine Picon qui ont soutenu et accompagné cette recherche et sa publication ici. Merci aux équipes de la MSHB, des Archives de la critique d’art-INHA de Rennes et du CELLAM, sans lesquelles rien n’aurait été possible.

Toutes les communications se veulent d’abord des études de cas, menées, selon les intervenants, à partir de l’histoire de l’art, de la sociologie ou de l’étude littéraire. Elles se succèdent donc simplement ici : l’examen du parcours d’un peintre, d’un curateur, d’un critique, d’un galeriste met en évidence comment les œuvres se trouvent enserrées dans des ensembles de représentations discursives souvent contradictoires, en ces temps de conflits esthétiques et idéologiques autour de l’art abstrait. Leur réception varie selon les camps et les époques. La volonté d’explorer une troisième voie pour échapper aux affrontements binaires s’accompagne d’hésitations, se heurte à des obstacles.
Tout en remerciant encore les contributeurs, nous émettons le vœu que ces écrits suscitent de nouveaux projets.

On lira ici des communications portant sur
– des peintres , Jean Hélion (Y. Chevrefils Desbiolles), Tal Coat (S. Hyacinthe) et américains, Sam Francis (L. Imbernon) et Mark Rothko (F.  Montégu). L’œuvre du peintre Bram van Velde est analysée dans sa relation avec l’expressionnisme abstrait par Dominique Rabaté et Amy Smiley, venus des États-Unis pour le premier séminaire ;
– des expositions: N. Smolianskaia questionne, à propos du groupe japonais Gutai, le travail du commissaire d’exposition;
– deux critiques, James Johnson Sweeney (B. Cordero Martín) et Gaëtan Picon (D. Manier );
– deux galeries parisiennes: la galerie Drouin (J.-C. Drouin, C. Paulhan, N. Marchand-Zañartu, L. Imbernon) et la galerie du Dragon (E. Capdevila).

Ces communications ont été données
– lors du colloque, L’art abstrait en quête de définitions:
Paris, New-York, Tokyo, 1944-1964 , 7-8 février 2019 (C)
Maison des sciences de l’homme de Bretagne (MSHB), Rennes et Brest
– ou lors des trois séminaires des Archives de la critique d’art.
S1 : Autour de Sam Francis et Bram Van Velde, 14 décembre 2017.
S2 : Arts abstraits au pluriel?, 23 février 2018.
S3 : « L’effet Jean Dubuffet », 6 avril 2018.
Pour lire les textes des communications au format pdf, cliquer sur leur titre.

Les PEINTRES

Amy SMILEY, “Peinture et pathos, Bram van Velde et l’expressionnisme abstrait” (S1)

A partir d’un questionnement sur la réception (ou plutôt “la quasi absence”) de l’œuvre de l’artiste Bram van Velde sur la scène artistique américaine dans la période considérée, Amy Smiley met l’accent sur l’importance du “récit” dans le discours critique. Elle confronte avec une grande finesse celui qui entoure l’expressionnisme abstrait américain et celui, en Europe, des écrivains qui ont défendu l’œuvre de Bram van Velde, “du côté du pathos”, en particulier Gaëtan Picon et Samuel Beckett (suivi, plus récemment, par Charles Juliet). La question porte en particulier sur l’écart des conceptions de “l’acte” et de “l’action” des deux côtés de l’Atlantique.

Amy Smiley est chercheuse. Américaine, elle vit à New York. Sa thèse, soutenue à l’université Paris 7 sous la direction de Jacqueline Chénieux-Gendron, a été publiée sous le titre L’Écriture de la terre dans l’œuvre romanesque d’Aragon (Champion, 1994). Elle enseigne à New York University et est psychanalyste.

Yves CHEVREFILS DESBIOLLES, Un artiste au travail, Hélion, New York, 1946 (C)

Le public du colloque a eu le privilège de découvrir un film très rare de 1946, Hélion, New York, 1946, un artiste au travail ou Hélion et l’abandon de l’abstraction.
Trois ans après son évasion d’un stalag allemand de Poméranie en 1942, Jean Hélion (1904-1987) conçoit le scénario et les dialogues d’un film de 28 minutes qui lui est consacré, tourné dans son atelier en 1946, un film qui en dit long, de manière explicite (de la bouche d’Hélion lui-même) et de manière implicite (ce que je pourrais en dire dans un commentaire) sur l’abstraction que Hélion vient d’abandonner. On voit apparaître avec Hélion, le réalisateur du film, Thomas Bouchard et son assistante, Diane Bouchard, Peggen Vail, sa jeune épouse, fille de Peggy Guggenheim, et Stanley Bate, le pianiste et compositeur britannique qui joue son Opus 54, probablement composé pour le film.

Le texte de la communication est suivi de quelques images de ce film, rare. Citations en anglais dans le texte.

Yves Chevrefils Desbiolles est docteur en histoire de l’art, chargé de mission à à l’Institut Mémoires de l’édition contemporaine (IMEC) où il est responsable des fonds artistiques. Il a achevé en 2018 l’édition du livre de Jean Hélion, Ils ne m’auront pas. Capture, travail forcé, évasion d’un prisonnier français durant la Seconde Guerre mondiale, paru à New York en 1943 et, pour la première fois, traduit dans son intégralité par Jacqueline Ventadour (Éditions Claire Paulhan). Voir l’article de Marc Blanchet dans la revue en ligne, Poezibao.

Sandrine HYACINTHE, “L’œuvre de Tal Coat, une voie perdue de l’abstraction ?“ (C)

Une enquête serrée, menée sur la confrontation des discours critiques autour du nœud critique et réflexif que constitue l’œuvre de Tal Coat (1905-1985), a été l’occasion de questionner les possibilités et les limites des définitions de l’art abstrait. L’œuvre de Tal Coat, en entraînant un chevauchement des catégories réaliste et abstraite, ainsi que des conceptions progressistes et traditionalistes de l’art, pouvait être positionnée à la fois en rapport et contre les différentes esthétiques de l’époque.

Sandrine Hyacinthe a soutenu une thèse d’histoire de l’art, en 2016,  à l’université Paris Nanterre : « L’École de Paris, une histoire sans histoire ? L’art à Paris de 1945 à 1980 ». Elle poursuit ses recherches sur les questions liées à l’historiographie et aux représentations de l’art aux XX^e et XXI^e siècles, en insistant sur l’impact des différentes formes (textuelles, visuelles) de mise en récit de l’histoire et de l’art dans le monde contemporain.

Laurence IMBERNON, « Autour d’un tableau de Sam Francis, Composition bleue sur fond blanc, 1960. Réception de l’œuvre de Sam Francis, en France » (S1)

Composition bleue sur fond blanc, tableau signé de Sam Francis (1923-1994), fait partie du fonds du Musée des beaux-arts de Rennes. Il date de 1960. Cette Composition est le motif à partir duquel sera distingué un cheminement, celui de Sam Francis lors de son arrivée à Paris en 1950, une phase importante de sa carrière qui va permettre la reconnaissance internationale de son œuvre. Sam Francis a sans doute réalisé cette peinture en Californie, où il est rentré après un séjour en France de près de huit ans, entre 1950 et 1957-1958 (ensuite, un voyage autour du monde l’a mené au Japon). On trouvera une reproduction du tableau sur le site du Cnap.

Laurence Imbernon est conservatrice du patrimoine, spécialisée dans la diffusion de l’art contemporain. Elle a travaillé à l’organisation d’expositions, la publication de catalogues et l’acquisition d’œuvres pour les collections publiques dans différents musées de France : Dunkerque, La Roche-sur-Yon, Rodez. Au Musée des Beaux-Arts de Rennes, ses expositions et publications sont orientées vers l’œuvre d’abstraits géométriques actifs après 1940 (Francis Pellerin, Georges Folmer). Plusieurs expositions ont été réalisées en collaboration avec l’université Rennes 2 en Histoire de l’art : le GRAV, 1960-1968 en 2013, et récemment Japon-France, Migrations artistiques. Directrice de l’association des conservateurs des musées de la Région Bretagne, elle avait été responsable de « Bretagne Japon 2012 » qui exposait les collections japonaises et japonisantes de 12 musées bretons. Elle participe à la revue Surrealismus.

Frédéric MONTEGU, “Abstraction et paysage, une réflexion nourrie de l’oeuvre de Rothko” (C)

F. Montégu a voulu prendre du recul sur un certain nombre d’œuvres abstraites. A rebours de la définition commune aujourd’hui de l’art abstrait (“des œuvres qui ne représentent plus le monde extérieur, mais qui sont conçues comme l’agencement interne des rapports de formes et de couleurs”, G. Roque), il rappelle que le paysage préoccupe nombre de peintres abstraits. La peinture abstraite peut, d’une manière sous-jacente, contenir une efficacité imageante, en rapport avec le paysage. La cohérence de certaines peintures serait en lien direct avec une sorte de bipolarité image/abstraction susceptible de rendre intelligible le fonctionnement de ces œuvres.

Frédéric Montégu est professeur agrégé d’arts plastiques et docteur en esthétique et sciences de l’art. Il enseigne l’histoire de l’art du XXe siècle à l’Université Lumière Lyon 2 (au département histoire de l’art & archéologie). Chercheur associé au Laboratoire Passages XX-XXI Arts et Littérature, il est l’auteur d’un ouvrage en deux volumes concernant l’œuvre de Mark Rothko (1903-1970) : Image et Abstraction dans l’œuvre de Mark Rothko (L’Harmattan, 2014). Il continue à interroger l’œuvre de cet artiste, ainsi que l’expressionnisme abstrait américain, tout en ouvrant son champ d’investigation sur des œuvres contemporaines (Bernard Piffaretti, Wolfgang Laib, Chiharu Shiota…).

LES EXPOSITIONS

Natalia SMOLIANSKAIA, “Jetez-vous en l’air”. Exposer Gutai (C)

Commissaire d’exposition, la chercheuse N. Smolianskaia met ici en regard les manifestations japonaises du mouvement Gutai et leur lecture moderniste en Occident, en particulier l’exposition Gutai : Splendid Playground, en 2013 au Musée Guggenheim de New-York (commissaires, Alexandra Munroe et Ming Tiampo).

Natalia SMOLIANSKAIA (membre de l’AICA, docteure en philosophie, artiste et commissaire russe) développe son projet de recherche au croisement des théories et des pratiques de l’art contemporain. Elle travaille sur les modèles artistiques (d’avant-garde) et leurs réverbérations sociales et/ou politiques dans le cadre de l’histoire socio-culturelle des xx^e-xxi^e siècles. Boursière de la FMSH en 2018, elle a développé le projet « (Re) configurations actuelles : France 1968 – Russie 2012» dans des réalisations diverses: expositions, publications, colloques et projections dont l’exposition Dépassement de l’art au MMOMA (Moscow Museum of Modern Art) a bénéficié du prix National «Innovation» dans le domaine de l’art contemporain. Elle a été directrice de programme au Collège International de philosophie (2007-2013) où elle animait deux séminaires, Crise du cadre : penser les « langages de l’art » et Les avant-gardes et la crise du cadre (théories et pratiques des avant-gardes historiques et leur héritage). Elle enseigne les théories et la philosophie de l’art contemporain à la Haute École d’Économie à Moscou et dirige le séminaire du Laboratoire de recherche «Lieu de l’art», en collaboration avec l’École Doctorale de la Faculté de communication de la HSE. Chercheure associée au Laboratoire d’études et de recherches sur les logiques contemporaines de la philosophie (univ. Paris 8) elle publie en français et en anglais dans plusieurs revues dont Matériaux pour l’histoire de notre temps, Critique d’art, Ligeia, Rue Descartes.

Les CRITIQUES

Beatriz CORDERO MARTIN, “Subjectivity, Spirituality and Modern Art. James Johnson Sweeney’s views on Abstraction” (S2)

(Article en anglais) Beatriz Cordero’s article focuses on James Johnson Sweeney’s views on abstraction, from his first exhibition as a curator at The Renaissance Society (University of Chicago, 1934), to the time in which he promoted the work of Abstract Expressionists such as Jackson Pollock. During the 1940s, Sweeney directed the Department of Painting, Sculpture and Drawing at the MoMA while assisting Peggy Guggenheim at the gallery Art of This Century. Sweeney´s rich and unique perspective on abstract art is central to his work as an art critic and museum director, which contributed greatly to the creation of the official cannon of modern art in the mid 20th century. Sweeney’s conception of abstract art is examined in relation to that of some of his contemporaries, such as Alfred Barr, Albert Barnes, Hilla Rebay, Peggy Guggenheim, Jean Hélion, and Jean and Dominique de Menil. 

Beatriz Cordero Martín est docteur en histoire de l’art, spécialiste de J.J. Sweeney, le grand critique et curateur (1900-1986). Voici sa biographie en anglais :
She holds an international doctorate in Art History from the Complutense University of Madrid (2017) with a specialization in modern art. Her main interests are the transatlantic links between the United States and Spain, art collecting and museum history, and pedagogy of the Fine Arts. She is one of the curators of the exhibition The Irascibles. Painters Against the Museum (New York, 1950), Fundación Juan March, Madrid, 2020 and Cortés. Portraiture and Structure, Fundación Telefónica and Fundación Unicaja, Madrid and Cádiz, 2018. She has worked at The Museum of Modern Art (New York) and the Peggy Guggenheim Collection (Venice) and she currently teaches art history at the Saint Louis University in Madrid and collaborates with the graduate program of the Antonio de Nebrija University. She has recently been awarded the George Gurney Postdoctoral Fellowship (Terra Foundation) at the  Smithsonian Museum of Art, Washington DC with a project focused on the influence of the Spanish Civil War on American Art. On trouvera la liste de ses plus récentes publications à la fin du texte de sa communication.

Rappelons que les archives de l’AICA (Association internationale des critiques d’art) dont J.J. Sweeney fut un des membres fondateurs en 1949 et le président entre 1957 et 1963, se trouvent à Rennes, dans la collection Archives de la critique d’art de l’INHA. Voir en particulier ici.

Dorian MANIER, Gaëtan Picon et “l’effet Dubuffet”, tentative de définition de l’expression d’une œuvre d’art (S3)

“L’effet Dubuffet » est le titre du premier chapitre du livre de Gaëtan Picon (1915-1975), Le Travail de Jean Dubuffet (Genève, Skira, 1973).  Dans cet ouvrage, Gaëtan Picon (1915-1976) tente de définir la nature de l’œuvre du peintre Jean Dubuffet (1901-1985). Si le texte débute par son évocation lyrique avec l’image du « continent », rapidement la contemplation des œuvres qui servent au travail d’écriture vient raviver chez le critique le souvenir de l’expérience passée et de son résultat : la sensation que l’œuvre avait provoquée, le sentiment que quelque chose vient de se produire. Des travaux de Dubuffet, le critique reçoit « une déflagration malaisément descriptible, mais très vivement ressentie ». Ce pouvoir de l’œuvre est l’objet de la communication. Si la relation critique suppose un rapport entre l’artiste, son œuvre et un sujet conscient, elle induit le rapport d’un être sensible à cette œuvre qu’il a intimement rencontrée : elle sous-entend une incidence, son effet, quel qu’il soit.

Dorian Manier a soutenu sa thèse de Littérature comparée, L’œuvre, le temps, la vie dans les écrits de Gaëtan Picon en décembre 2019, à Sorbonne université, sous la direction du professeur B. Vouilloux. Son travail prometteur, après celui d’Aurélia Maillard-Despont (Présence critique de Gaëtan Picon, Garnier, 2015), parmi d’autres, révèle l’intêret suscité par le très grand critique auprès de la jeune génération de chercheurs en lettres ou en art.

Les GALERIES

Laurence IMBERNON, Jean-Claude DROUIN, Nicole MARCHAND-ZAÑARTU, Claire PAULHAN, Table-ronde sur René Drouin et sa galerie: “René Drouin, un éditeur d’art, un découvreur dans le marché de l’art parisien”, 1944-1951 (C).

Lors du colloque de 2019, cette table-ronde a été menée par Laurence Imbernon, conservateur au musée des beaux-arts de Rennes. Informations de première main, souvenirs émus des années d’enfance, anecdotes et analyses se sont tressés pour préciser la place de la galerie Drouin dans cette période de l’après-guerre.Pour rendre hommage à René Drouin, se sont réunis des témoins dont Jean-Claude Drouin, observateur privilégié, qui a participé généreusement au colloque et qui vient de nous quitter ; Nicole Marchand-Zañartu, à l’initiative de la dernière exposition sur René Drouin (2017), mais aussi témoin, comme elle le raconte ; Claire Paulhan qui a relu pour nous des correspondances inédites et Benoit Decron.

La communication de Benoit Decron qui a également participé à cette table-ronde manque ici. Rappelons que le directeur des musées de Rodez a été le premier à célébrer par une exposition René Drouin, en 2001, lorsqu’il dirigeait le Musée de l’abbaye de Sainte-Croix au Sables d’Olonne. On peut lire le texte qu’il a alors écrit dans le catalogue de l’exposition de 2017 (René Drouin et ses peintres : quand le catalogue d’exposition devient livre d’art, Paris, Bibliothèque des Arts décoratifs, 2017).
Jean-Claude Drouin, fils du galeriste René Drouin était architecte. Il a travaillé aux USA, chez l’Architecte Im Pei (1963- 1965). Ancien directeur de l’Agence d’Urbanisme de Tours et membre co-fondateur du Centre d’Études Supérieures d’Aménagement de Tours (CESA), il a également été conseiller artistique de la Région Centre et membre de l’AG du Frac Centre. Avec Rem Koohlas, Jean Nouvel et Ricardo Bofill, il a été désigné par la mission d’étude et de préfiguration de l’Exposition Universelle de 1989, pour étudier les sites de Paris-Ouest et de Paris-Est. Il a par ailleurs réalisé de très nombreux projets, dont on trouvera quelques exemples dans le texte (note 1).
 Claire Paulhan, historienne de la littérature et éditrice, est chargée de mission à l’IMEC. Elle a réalisé plusieurs expositions pour l’IMEC (De Pontigny à Cerisy, 2002 ; Archives des années noires, 2004, Archives de la vie littéraire sous l’Occupation, 2011, etc.). Elle contribue également à la découverte de textes autobiographiques du XXe siècle, notamment à travers la maison d’édition qui porte son nom et qu’elle a fondée en 1996.
Nicole Marchand-Zañartu : d’abord journaliste dans la presse écrite et à la télévision, elle entre en 1981 à l’ENSCI-Les Ateliers où elle crée, en liaison avec le CCI/Centre Pompidou, une bibliothèque sur l’histoire du design. Responsable des enseignements de sciences humaines, elle développe une unité de recherche. Elle a traduit en 2010-2013 pour la Cité du design (co-édition avec l’université de Saint Etienne) Rikimbili. Une étude sur la désobéissance technologique et Maison moirée et autres essais d’Ernesto Oroza. En 2011, elle publie à la RMN (Réunion des Musées Nationaux) Images de pensée (co-auteur Marie-Haude Caraës), ainsi que plusieurs articles autour de ce thème. Elle participe à l’ouvrage collectif Oracles – Artists Calling Cards, (texte sur Cassandre) aux éditions Patrick Frey, Zurich, 2017. En 2018, elle réunit les contributions de cinquante-quatre auteurs dans l’ouvrage Les Grands Turbulents: Portraits de groupes 1880-1980, aux Éditions Médiapop. Son dernier livre vient de paraître, Trente-deux grammes de pensée (en collaboration avec Jean Lauxerois). On lui doit la belle exposition de la Bibliothèque des Arts décoratifs sur René Drouin et ses peintres.

Élisa CAPDEVILA, La galerie du Dragon, un lieu de rencontres transnationales en marge de l’abstraction (S2)

Reprise en 1955 par le poète Max Clarac-Sérou, la Galerie du Dragon s’affirme à la fin des années 1950 et au début des années 1960 comme un lieu de rencontres internationales, en rupture avec un milieu de l’art dominé par l’abstraction. Y seront exposés, sous la houlette du peintre Roberto Matta, des artistes venus d’horizon divers, pour la plupart figuratifs et d’inspiration surréaliste, et, pour beaucoup, marqués par les luttes de décolonisation. Ce lieu reflète ainsi à la fois le dynamisme et la complexité de la scène artistique parisienne de cette époque. Son histoire est aussi celle de l’essor d’un nouvel art figuratif, transnational et engagé, dans l’Occident de la guerre froide.
Le texte de la communication présente quelques précieuses images des catalogues de la galerie.

Élisa Capdevila est agrégée et docteure en histoire. Associée au Centre d’histoire culturelle des sociétés contemporaines, Université Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines, elle est spécialiste des relations culturelles transatlantiques. Parmi ses dernières publications : Des Américains à Paris, artistes et bohèmes dans la France de l’après-guerre, A. Colin, 2017 et « Culture, médias, pouvoirs, 1945-1991 », Documentation photographique (n°8128), CNRS éditions, 2019.

Ces articles doivent être référencés ainsi: Françoise Nicol, dir., La Relation critique en France, 1944-1964, enquêtes sur des “situations”, en ligne sur le blog de recherche https://relarts.hypothèses.org, rubrique “Actes 2017-2019”, 2021.