Archives de catégorie : Notes de lecture

Jean Leymarie

« Hegel annonçait déjà la mort prochaine de l’art, dont beaucoup pensent que c’est maintenant chose faite, dans une ère de pression technologique et de conditionnement culturel. Mais si l’art n’existe plus ou si nul ne sait plus comment le définir, il reste encore, fort heureusement, des artistes, c’est-à-dire des êtres de fantaisie et de liberté, qui sont la sauvegarde de l’homme. Ce qui compte, c’est la fonction créatrice de l’art, liée irréductiblement aux sources et au mystère de la vie, non les produits artistiques dont nous sommes au contraire massivement saturés par une diffusion souvent corruptrice et neutralisante. La planète tout entière, que l’homme est désormais capable de détruire ou de quitter, risque de se transformer en gigantesque et dérisoire objet d’art pour les futurs musées de l’espace. » (Rencontres de Genève, L’art dans la société d’aujourd’hui, tome XXI, Les Éditions de la Baconnière, Collection : Histoire et société d’aujourd’hui, Neuchâtel, 1968).

En 1967, Jean Leymarie participait aux Rencontres de Genève, aux côtés de James J. Sweeney, Theodor W. Adorno, Yves Bonnefoy, Alejo Carpentier Y Valmont, Gaëtan Picon et René Clair. Jean Starobinski était là. Les actes nous restent.
Son constat est lourd d’inquiétudes: l’art est menacé de mort; notre monde aussi. Mais il reste et il restera les artistes et la « fonction créatrice de l’art », constitutive de l’humain. Qui consacrera dans les années qui viennent un livre à Jean Leymarie (1919-2006) qui porta sur l’art du XXe siècle un regard si aigu? Qui reprendra à nouveaux frais la réflexion sur l’art dans sa relation avec le réel et la société des hommes, alors (et depuis) ressentie comme irrémédiablement abimée?

De nul lieu et du Japon

Ce 24 juin 2020, découverte du recueil de Jacques Dupin, De nul lieu et du Japon. Le poète Jacques Dupin (1927-2012), ami de Miro, a bien connu le Japon. Son livre, publié en 1986 par Fata morgana a d’abord été publié en 1978, accompagné par le peintre Jean Capdeville (il en existe un tiré àpart, imprimé par les typographes Fequet et Baudier). Voir ici.
27 textes brefs se succèdent. Voici le premier :

Plonger
entre ses genoux ouverts
reconquérir sur le blanc
le sang heurté de sa naissance

À parfaire
dans le geste d’encre

L’instabilité de l’éclair
indéfiniment maîtrisé

Voici le dernier, plus que les autres encore, dense et laconique :

Rien que
la question     le nombre
la terreur

Chemin de traverse

Nicole Marchand-Zañartu et Jean Lauxerois, Médiapop éditions, 2020

Le livre 32 grammes de pensées, Essai sur l’imagination graphique, n’est pas dédié aux seuls arts visuels. Et pourtant… Il présente, à 32 reprises, un « schème ou schéma originaire selon lequel prend forme et s’organise une brusque inspiration, une pensée naissante , une théorie en gestation, une œuvre en cours d’élaboration ». Bref, voilà des « grammes », qui sont aussi « la mesure de la légèreté », et qu’accompagne un court texte. Délice à lire/à regarder. On y trouve cette définition du « peindre » que ne renierait aucun des Modernes qui, de Georges Braque aux Abstraits, ont recherché l’autonomie de l’espace pictural , tout en étant héritière de la tradition allemande (p.49). Elle est signée d’Oscar Bluemner, surnommé « le Vermillonnaire », qui se disait proche de Goethe :

« Étant donné que le « peindre » est aussi bien ligne (dessin) que couleur (pigment et medium) sur un support (papier blanc, toile claire), et qu’il comporte des figures plates lumineuses au lieu de volumes plastiques (sculpture), la ligne de couleur et la couleur qui l’emplit, tout comme l’espace fond lumineux, doivent être ressenties et doivent être rendues comme ressenties: et c’est là par quoi naît l’expression, ou la plastique picturale (au lieu de la décoration). Dans la peinture, ce qui prévaut, c’est l’âme, dans la décoration c’est l’esthétique : espace,contour, emplissage sont les trois éléments. » (Oscar Bluemner)

Note d’écoute

Sur France culture, La Fabrique de l’histoire, on peut réécouter 4 émissions consacrées au Japon, dans le cadre des célébrations de l’année du Japon (1er trimestre 2018) : 1. Contester au Japon dans les années 60, Art et politique, 2. Foujita, le plus parisien des Japonais, une traversée des années folles (intéressant pour comprendre la place de Foujita après la 2e guerre mondiale), 3. Les femmes japonaises, tradition, modernité et féminisme , 4. Cultures de guerre et identités au Japon, des samouraïs aux kamikazes.
Cette série passionnante (malgré son inscription dans la thématique, tradition et modernité, sur laquelle il y aurait tant à dire) éclaire directement ou non la vie artistique de l’après-guerre. Michael Lucken et Myriam Sas sont les invités de la première.

Femmes, années 50. Au fil de l’abstraction, peinture et sculpture

C’est le titre de la nouvelle exposition du Musée Soulages de Rodez, du 14 décembre 2019 au 10 mai 2020. PROLONGEMENT jusqu’au 31 octobre 2020. « Elles » sont à l’honneur. L’histoire de la mise en valeur des artistes femmes commence aux États-Unis au milieu du XXe siècle et n’a pas fini de s’écrire. Qu’elle soit reliée ici à celle de l’abstraction dont l’étude revient sur le devant de la scène. est une très belle idée.

Le catalogue (Hazan-musée Soulages) est une mine. En particulier l’article de Julie Verlaine, « Des ‘papesses de l’art abstrait’ aux ‘galeriennes de l’art’. Portrait collectif des directrices de galerie dans les années 1950 », les entretiens (Pierrette Bloch, Colette Brunschwig, Raymonde Godin, Liliane Klapisch, Vera Molnar), l’Abécédaire (de Abstraction-Création à Zeid), la bibliographie très informée. Avec un avant-propos d’Alfred Pacquement et un hommage du directeur de musée, Benoit Decron, à Geneviève Bonnefoi.

« Déjà aux Etats-Unis se tenait en 1951 l’exposition fondatrice Ninth Street Show, dans laquelle figuraient 4 femmes : Joan Mitchell, Grace Hartigan, Elaine de Kooning et Helen Frankenthaler. Dans L’ Autre moitié de l’avant-garde 1910/1940 de Lea Vergine, Éditions des femmes, publication doublée d’une exposition en 1980 en Italie, Lea Vergine parle de découvrir la « moitié suicidée du génie créateur de ce siècle ». En 2009, le Centre Pompidou offrait une importante exposition, « Elles », qui réunissait plus de 3 millions de visiteurs ». Site du musée Soulages

« La peinture radieuse de David Lewis »

David Lewis est un artiste anglais, installé à Rennes, en Bretagne, depuis 1990. En février 2019, je l’ai vu entrer dans l’amphithéâtre où se tenait le colloque organisé à la MSHB de Rennes. La réflexion sur l’art abstrait que nous menions alors l’intéressait, lui permettant, sans doute, de repasser mentalement par les bifurcations et les carrefours de son parcours: l’évolution de son travail montre en effet que le rapport à la nature et la présence-absence de la figure le préoccupent. Son site, qui s’ouvre sur une photo de pleine présence, permet de prendre connaissance de ce parcours. Mais des écrits le concernant, c’est celui signé de Michel Nuridsany qui m’a le mieux éclairée : « La peinture radieuse de David Lewis », in Jean-Pierre Bruaire et Catherine Melotte, David Lewis, Granville Gallery, 2011. Les monochromes (bas de la page) exposés alors sont distingués par le critique de ceux de Malévitch ou d’Yves Klein. Voilà pourquoi:

« Cette peinture est chargée d’un vécu, certes peu apparent mais non inexistant (…) . Les monochromes de David Lewis (font) naître (la peinture) d’un fond chargé de mémoire à partir duquel elle émane. On pourra dire que ce n’est rien, mais tout s’en trouve changé. Il s’agit d’apparences semblables mais d’un processus différent, d’une façon de mettre en œuvre avec radicalité ce qu’André Masson appelle de ses vœux: « Dans l’art, écrit-il, il n’y a ni formes, ni objets, il n’y a que des événements, des surgissements, des apparitions« . Exactement cela: David Lewis fomente des apparitions. »

On lira aussi avec intérêt le court texte du peintre, « A propos de ma peinture ».

Bernard Réquichot

Bernard Réquichot (1929-1961) est l’auteur de La Moisson des fourmis buissonnières (Papiers choisis), des Reliquaires ou des Écritures illisibles. La monographie que lui consacre Jean-François Chevrier est une somme, érudite et engagée à la fois, qui met en regard les œuvres et les écrits de l’artiste. Elle ne cède pas à la pente si coutumière d’enfermer l’œuvre dans des « bocaux avec des étiquette dessus », comme disait le critique Georges Limbour… Ni bien sûr à celle de faire de l’artiste un génie solitaire.

L’historien d’art démontre que Réquichot, dont on mesure la puissance de la recherche, dans un laps de temps si bref, observe avec acuité la vie artistique de son temps. Il explore les contiguïtés et les écarts de son travail avec celui de ses contemporains. Il met à distance le contexte de réception de l’œuvre, du vivant et après la mort de l’artiste. Le propos est fermement articulé avec de très belles et nombreuses illustrations, fondées sur le catalogue raisonné de 1973.

Jean-François Chevrier, avec la collaboration d’Elia Pijollet, Bernard Réquichot, Zones sensibles, Paris, Flammarion, 2019, 271 pages. Ouvrage publié en partenariat avec la galerie Alain Margaron. Le livre contient un lexique des termes employés pour définir les techniques de Bernard Réquichot, une chronologie, une bibliographie et la table des œuvres reproduites.

Tal Coat

Georges Limbour, Tal Coat, préface de Pierre Brullé, Paris, Le Bruit du temps, 2017.

A l’occasion de l’année Tal Coat, paraît  un petit volume élégant contenant 4 textes  des années 1950 sur le peintre Pierre Tal Coat. Ces textes, éclairés par l’historien d’art Pierre Brullé et illustrés, replacent le peintre dans le débat figuration/abstraction, tout en le mettant en relation avec Cézanne. Le poète-critique Limbour a connu Tal Coat, près de la Montagne Sainte-Victoire, alors que le peintre habitait non loin d’un de ses meilleurs amis, André Masson.

Deux livres sont signés par le spécialiste de Tal Coat (1905-1985), Jean-Pascal Léger: 1. la réédition des entretiens enregistrés avec le peintre dans son atelier de Dormont, en 1977, aux éditions L’Atelier contemporain: L’Immobilité battante, Pierre Tal Coat. Photographies en noir et blanc de l’atelier par Michel Dieuzaide. 2. La monographie Tal Coat, Pierre et front de bois, chez Somogy, qui s’ouvre sur une citation du peintre Jean-Lous Bentajou. Voir le compte rendu dans la revue Critique d’art.

Signalons pour finir le livre important  du critique d’art et commissaire d’expostion, Jean-Marc Huitorel, paru, lui, en février 2019 : Tal Coat en devenir, 1905-1985, Locus Solus, à l’occasion de la rétrospective Tal Coat, à Pont-Aven (autres auteurs: Estelle GUILLE des BUTTES-FRESNEAU, Directrice et conservatrice en chef du musée de Pont-Aven et Olivier DELAVALLADE, directeur du domaine de Kerguéhennec).