Archives de catégorie : 2017-2019. Autour de l’art abstrait

Retour de Tokyo, automne 2018

Retour d’expérience. Les arts visuels japonaise entre 1945 et 1964 seront traités lors de trois rencontres:

Le colloque final

L’art abstrait en quête de définitions:
Paris, New-York, Tokyo, 1944-1964. 

Maison des sciences de l’homme de Bretagne (MSHB), Rennes (et Brest en visio-conférence)
7-8 février 2019

Le colloque, aboutissement d’une réflexion menée depuis 2016 sur la peinture à Paris dans l’après-guerre (1944-1964),  a questionné l’art abstrait dans cette période quand il est devenu un « phénomène mondial » (Dora Vallier). Non avec la prétention d’en donner une définition univoque, mais pour tenter d’explorer le maquis des dénominations dans le champ de la peinture, de mettre en lumière la variété des démarches artistiques et la complexité des circulations des œuvres, des artistes et des divers acteurs de la vie artistique, à Paris, au Japon et aux États-Unis. La peinture a été envisagée sous l’angle de la « relation critique », pour reprendre la formule de Jean Starobinski. 
Base documentaire:  Archives de la critique d’art–INHA.
ACTES: voir ici

Colloque organisé par le CELLAM, EA 3206 Rennes 2, en partenariat avec la Maison des sciences de l’homme de Bretagne. Sous la direction du professeur Jean-Pierre Montier et de Françoise Nicol, MCF, langue et littérature françaises.

APPEL : AC_Charte_MSHB_REL-ARTS

Jeudi 7 février 2019 : L’art abstrait, Japon – Paris

Matin:  Face à l’internationalisation de l’art au Japon

  • 9h30-10h15 : ouverture du colloque par Leszek BROGOWSKI, professeur et vice-président de l’université Rennes 2 et Jean-Pierre MONTIER, professeur et responsable scientifique du colloque, CELLAM, université Rennes 2. Introduction par Françoise NICOL, CELLAM, université Rennes 2 : Deux ans d’enquête sur « l’École de Paris ».
  •  10h15-11h : Michael LUCKEN, professeur, INALCO, ouverture : Japon : le risque de « l’ailleurs ».
  • 11h15-11h45 : Yuri MITSUDA, conservatrice au Kawamura Memorial DIC Museum of art, à Sakura, Japon et membre du Conseil de l’AICA-Japon :  Informel  whirlwind in Japan: what it  changed.
  • 11h45-12h15: Lilian FROGER, docteur, ACA-INHA et université Rennes 2 : 1962 : année japonaise pour Pierre Restany.

Après-midi : Formes d’abstraction au Japon

  • 14h00-14h30 : Eugenia BOGDANOVA-KUMMER, Lecturer in Japanese Arts, Sainsbury Institute, University of East Anglia, Norwich, Grande Bretagne, Art abstrait et calligraphie au Japon
  • 14h30-15h : Natalia SMOLIANSKAIA, historienne d’art et commissaire d’exposition, Moscou (Russie), « Jetez-vous en l’air »: l’art abstrait au croisement de la corporéité concrète
  • 15h30-16h : Mélissa LALOUETTE, étudiante en Master 2 Histoire de l’art (MAGEMI), université Rennes 2, présentera, avec Nathalie BOULOUCH, directrice des Archives de la critique d’art, l’exposition A propos du Japon, conçue et réalisée à partir d’une recherche documentaire dans les collections des Archives de la critique d’art-INHA.

Une troisième voie

  • 16h-16h30 : Fabrice FLAHUTEZ, professeur, université Paris Nanterre, Entre abstractions et figurations, la troisième voie lettriste
  • 17h45-20h : Soirée  au Musée des Beaux-Arts de Rennes: diffusion du film documentaire Trésor vivant (2012) consacré à l’artiste Kunihiko MORIGUCHI. Intervention de son réalisateur, le cinéaste Marc PETITJEAN, avec Martine COLIN-PICON, chercheur indépendant.
Vendredi 8 février 2019 : Art abstrait, voie introuvable ?

Matin : Explorer les limites de l’art abstrait et de ses définitions

  • 9h00-9h30 : Sandrine HYACINTHE, docteur en histoire de l’art, université Paris 10,  L’œuvre de Tal Coat, retour sur une voie perdue de l’abstraction
  • 9h30-10h : Frédéric MONTEGU, PRAG, université Lyon 2 et CIEREC de Saint-Étienne, Abstraction et paysage
  • 10h30-11h00 :  Raphaël NEUVILLE, docteur, université Toulouse Jean-Jaurès, Les relations du Surréalisme à l’abstraction après la Seconde Guerre mondiale
  • 11h00-12h00 : Yves CHEVREFILS DESBIOLLES, chercheur à l’IMEC, projection du film Hélion, New York, 1946, un artiste au travail ou Hélion et l’abandon de l’abstraction

Après-midi : Paris, carrefour

  • 14h-14h30 : Juliette EVEZARD, docteur, université Paris-Nanterre, Michel Tapié ou la « tentation » du Japon
  • 14h30-16h15 : René Drouin, un éditeur d’art et un découvreur dans le marché de l’art parisien, table-ronde avec Jean-Claude DROUIN, architecte, fils du galeriste René Drouin, Benoît DECRON, directeur des musées du Grand Rodez, Claire PAULHAN, chercheuse et éditrice et Nicole MARCHAND-ZAÑARTU, chercheur indépendant. Discussion menée par Laurence IMBERNON, conservatrice au Musée des Beaux-Arts de Rennes, suivie d’un échange avec la salle.
    Projection d’un extrait du film Claude Berri rencontre Leo Castelli : marchand d’art, 1988.
  • 16h30-16h50 : Bilan du colloque par Jean-Marc POINSOT, professeur en histoire de l’art, université Rennes 2
  • 16h50-17h00 : Jean-Pierre MONTIER et Françoise NICOL : La recherche à venir dans le prolongement du projet.
  • 17h00-17h15: Françoise THIBAULT, déléguée générale de l’Alliance Athéna, et Nicolas THELY, directeur de la MSHB, concluront le colloque.

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Les abstracts en anglais sont ici: Abstracts TT EN

Les résumés en français et  les bio-bibliographies des intervenants : Abstracts et bio-bibliographies 

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Durant le colloque, la librairie Le Failler de Rennes sera présente à la MSHB. Vente de livres et dédicaces des auteurs.

Conseil scientifique international

Nathalie BOULOUCH, MCF histoire de l’art, université Rennes 2, et directrice  des Archives de la critique d’art-INHA. Martine COLIN-PICON, docteur en en langue et littératures françaises et chercheur indépendant.Laurence IMBERNON, historienne d’art, conservatrice au Musée des Beaux-arts de Rennes. Jean-Pierre MONTIER, professeur de langue et littérature françaises, CELLAM, université Rennes 2. Françoise NICOL, MCF de langue et littérature françaises, université de Nantes, CELLAM. Timothée PICARD, professeur de langue et littérature françaises, CELLAM. Jean-Michel RABATE, professeur de littérature française, université de Pennsylvanie. Natalia SMOLIANSKAIA, historienne d’art et commissaire d’exposition, Moscou (Russie). Pierre VILAR, MCF en langue et littérature françaises, université de Pau.

Comité d’organisation

Laurence BOUVET-LEVEQUE et  Nelly BREGEAULT-KREMBSER 
(Cellule Recherche UFR ALC, université Rennes 2). Yolande SAMBIN, chargée de projets, MSHB – USR CNRS 3549 et Catherine GODEST, chargée de communication MSHB. Jean-Pierre MONTIER et Françoise NICOL.  Assistante : Sophie CHAPEY, titulaire d’un master en Histoire de l’art (université Rennes 2)

CALL: “Defining abstract art, Paris - New York - Tokyo, 1944-1964”

 The symposium is the culmination of a project that began in 2016 on painting in the post-war era (1944-1964).

Sometimes regarded as an in-between period and no doubt underestimated by academia, it began in November 1944, the year when the Salon d’Automne was renamed the Salon de la Libération and dedicated to Picasso. It is said to have symbolically come to an end in June 1964, the date of the 32nd Venice Biennale, when the American Robert Rauschenberg received the Grand Prix. Painting is considered in the context of a “critical relationship”, to use the words of Jean Starobinski, that is, in terms of its combined reception among writers and critics, and the art community and the general public. The Art Criticism Archives of the Rennes National Institute of Art History (Archives de la critique d’art, INHA de Rennes), provided a valuable body of documentation for the seminar work.

The aim of this symposium is to question how the art community regarded abstraction during this period. In galleries as in discourse, abstract painting plays a leading role in aesthetic power relations that play out internationally and which are inseparable from economic and political issues. The presence of abstraction changes artists’ positions, whether they class their work to be abstract or not, and generates debate both among writers and critics.

We feel it is necessary to explore abstract art in the post-war period when it became a “worldwide phenomenon”, spelling the start of global flows in the art world for stakeholders across the board. Our aim is not to give it a single definition, but rather to gain a better understanding of the complexity of denominations in the field of painting (art informel, “art autre” (art of another kind), concrete art, and Réalités nouvelles (new realities), etc.), to analyse the gaps between the discourse on “abstract art” and that of earlier periods, and to try and define their characteristics in context. We will consider the theoretical viewpoints and the often contradictory stories developed in intellectual frameworks that may be derived from the thinking of the avant-garde movement or from new academicisms in particular.

At a time when discussion about abstraction as a promise or an impasse has virtually dried up, when talk is more often of false debate, and when more general and contradictory definitions are becoming widespread, we hope to shed some light on the matter of abstraction, by moving beyond the far too simple abstraction-figuration antithesis.

Research must fit into an international perspective. It can also build on critical works from writers or “specialists”, be based on case studies (for example, an analysis of the work and impact of a Paris gallery with international connections), or focus on an unexpected artistic direction. The aesthetic angle may also be developed more widely. In any event, it will foster different perspectives around the chosen subject. The importance of reflection is that it is interdisciplinary. Researchers in literature(s) who are interested in art criticism in all its forms (from articles for journals to poetic writings, for example) will be able to exchange with art historians, philosophers or sociologists.

L’argumentaire scientifique est ici: Argumentaire scientifique pour diffusion

Arts abstraits au pluriel?, 23 février 2018

Vendredi 23 février 2018. 10h-17h.

LIEU:  Archives de la critique d’art-INHA, 4 Allée Marie Berhaut, 35000 Rennes.

   PROGRAMME: L‘art abstrait sous le regard de ses observateurs ou doit-on écrire  au pluriel « art abstrait »(1944-1964)?

La journée d’étude du 23 février 2018 est la deuxième du programme de recherche La « relation critique » en France : les arts visuels vus à travers les écrits, 1944-1964

Archives de la critique d’art-INHA, Rennes. La journée a réuni des jeunes chercheurs de diverses disciplines (histoire, histoire de l’art, linguistique, littérature), les étudiants en master d’histoire de l’art d’Antje KramerMallory, maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université de Rennes 2 (EA 1279) ainsi que deux étudiantes de Master littérature à l’université de Nantes.

L’interrogation sur « l’art abstrait » a été prolongée non plus en partant des peintres, mais en mettant en perspective les points de vue de ses observateurs, toujours dans un espace « transatlantique ». L’art abstrait  a été observé à la fois comme unité lexicale et comme notion.

Une galerie d’abord, la galerie du Dragon, située à Paris mais assurant un lien en marge de l’abstraction avec les artistes des Amériques, a été étudiée par Élisa Capdevila.

Les critiques ensuite : comment inscrire l’art abstrait dans l’histoire de la peinture ? Que fait-il au spectateur ? Par quels clivages est-il traversé ? Au fait, « l’art abstrait », du moins au singulier, existe-t-il dans cette période (1944-1964) marquée par les questionnements, les polémiques et ce mélange, difficile à démêler, de dogmatisme et de mobilité des positions ? Pour y réfléchir, ont été confrontés deux discours critiques, celui de Georges Limbour (1900-1970) et celui de James Johnson Sweeney (1900–1986). La linguiste Valérie Rochaix examinera les termes associés à l’abstraction dans les chroniques parisiennes du poète et critique français. Deux historiennes d’art, Beatriz Cordero Martin et Lola Lorant, mettront en relation les écrits et le travail du premier directeur du Solomon Guggenheim Museum de New York et membre fondateur de l’AICA.

  • 10h: introduction: Nathalie Boulouch, directrice des Archives de la critique d’art (ACA-INHA) et Françoise Nicol.
  • 10h45: Elisa Capdevila (docteure en histoire, membre associée du Centre d’Histoire Culturelle des Sociétés Contemporaines, Université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines) : « La Galerie du Dragon, un lieu de rencontres transnationales en marge de l’abstraction ».

Reprise en 1955 par le poète Max Clarac-Sérou, la Galerie du Dragon s’affirme à la fin des années 1950 et au début des années 1960 comme un lieu de rencontres internationales, en rupture avec un milieu de l’art dominé par l’abstraction. Y seront exposés, sous la houlette du peintre Matta, des artistes venus d’horizon divers, pour la plupart figuratifs et d’inspiration surréaliste et, pour beaucoup, marqués par les luttes de décolonisation. Ce lieu reflète ainsi à la fois le dynamisme et la complexité de la scène artistique parisienne de cette époque. Son histoire est aussi celle de l’essor d’un nouvel art figuratif, transnational et engagé, dans l’Occident de la guerre froide.

  • 11h15: Exposition présentée par les étudiants en histoire de l’art d’Antje Kramer-Mallordy. Avec le soutien de Laurence Le Poupon, chargée des archives aux ACA-INHA.
  • 13h45: Valérie Rochaix (docteure en sciences du langage de l’Université Bretagne Loire et membre du laboratoire CoDiRe (Construction discursive des représentations linguistiques et culturelles, EA 4643, université de Nantes): « L’exploration outillée (par les logiciels d’analyse Tropes et Iramuteq) de la critique littéraire. Le cas de l’art abstrait dans l’œuvre critique de G. Limbour ».

Que peuvent dire les articles du critique d’art Georges Limbour de l’évolution de la représentation de l’art abstrait entre la sortie de la 2e guerre mondiale et le milieu des années 60 ? Nous nous proposons d’explorer cette question dans une perspective sémantique, en concentrant notre recherche sur le mot abstrait et ses dérivés tels qu’ils sont déployés dans le recueil Spectateur des arts, écrits sur la peinture (1924-1969) (ed. M. Colin-Picon, F. Nicol). Fondée sur les données produites par deux logiciels d’analyse textuelle théoriquement à même de tenir la subjectivité de l’analyste à distance, Tropes et Iramuteq, notre étude présente des résultats fondés sur les seules données textuelles, dépourvues de l’éclairage des spécialistes en lettres et en histoire de l’art mais, nous l’espérons, à même de leur proposer de nouvelles pistes d’analyse.

Autour de James Johnson Sweeney:

  • 14h45: Beatriz Cordero Martin (historienne d’art, docteure en Histoire de l’art de Complutense University, Madrid, enseignante à Saint Louis University, Madrid :  » Abstract Art and Plastic Redirections in 20th Century Art. A reflexion on Sweeney’s critical and curatorial work ».

Beatriz Cordero’s presentation will focus on Sweeney’s view on abstraction, from his first exhibition as a curator at The Renaissance Society (University of Chicago, 1934), Abstract Art by Four Twentieth-century Painters to his important role as a champion of Abstract Expressionism. Sweeney´s perspective on abstract art will be compared to that of his contemporaries, such as Alfred Barr, Albert Barnes, Hilla Rebay, Peggy Guggenheim or John and Dominique de Menil.

  • 15h30: Lola Lorant (doctorante en histoire de l’art, université Rennes 2, et membre du programme PRISME aux ACA-INHA): La participation de James Johnson Sweeney aux débats de l’AICA : un point de vue américain sur l’abstraction, entre singularité et conformisme.

L’intérêt de James Johnson Sweeney pour l’art européen fait figure d’exception sur une scène artistique américaine qui, enorgueillie de l’émergence de l’expressionnisme abstrait américain, se détourne du vieux continent. Mais faut-il pour autant considérer la posture du critique d’art et directeur de musée comme dissidente à l’égard d’un discours sur l’art américain connu pour être chauvin et triomphaliste ? Les rencontres de l’AICA, à partir de 1948, témoignent de l’ouverture internationale de James Johnson Sweeney, mais également de son rôle de représentant de l’art américain, conforme aux politiques menées par les institutions muséales ?

 Traduction: Laurence Imbernon, conservateur au Musée de Rennes.

Autour de Sam Francis et Bram Van Velde, 14 décembre 2017

1. Jeudi 14 décembre 2017. 10h-17h.

LIEUArchives de la critique d’art-INHA, 4 Allée Marie Berhaut, 35000 Rennes (directrice: Nathalie Boulouch).

PROGRAMME: Autour de Sam Francis et de Bram van Velde

Cette journée a réuni des chercheurs de diverses disciplines (histoire de l’art, esthétique et littérature) et les étudiants en master d’histoire de l’art d’Antje KramerMallordy, maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université de Rennes 2 (EA 1279).

Elle a permis d’observer deux « situations ». Le mot est emprunté au premier directeur du Centre Pompidou, Pontus Hulten : « Par situation, on peut entendre: exposition, salon, revue, galerie, collection particulière, c’est-à-dire un tout, un ensemble de lieux où des gens curieux de leur temps et d’eux-mêmes » (Catalogue de l’exposition Paris-New York, 1977).

La première a été examinée à partir d’un tableau du peintre Sam Francis, acquis par le musée des Beaux-Arts de Rennes, en France : Composition bleue sur fond blanc, 1960. Le second peintre au cœur de notre réflexion sera Bram Van Velde dont l’art, aux yeux de Samuel Beckett, en 1957, est « différent de tout art pratiqué jusqu’à ce jour » (Trois Dialogues). Ces deux recherches ont permis d’entamer l’étude du regard porté sur la peinture, des deux côtés de l’Atlantique, dans la période de l’après-guerre. Quelles représentations de celle-ci s’élaborent dans les discours croisés de Samuel Beckett, dont la position critique sera particulièrement examinée, et de Georges Duthuit, en résonance avec la pensée de Gaëtan Picon et celle de Clement Greenberg ?

Intervenants

  • Introduction du séminaire (F.Nicol)
  • Laurence Imbernon (historienne d’art, Musée des Beaux-Arts de Rennes) Autour d’une œuvre de Sam Francis, Composition bleue sur fond blanc, 1960. La réception de Sam Francis en France ».
  • Amy Smiley: (New-York University) . »Fathoming Abstract Expressionism: the Case of Bram van Velde ».

Critics, gallery owners, and artists themselves participated in a narrative of the act of creation in Abstract Expression, deeply entrenched in the post-war culture in New York. Could van Velde’s work be seen through the lens of this narrative? The pathos of van Velde finds a more likely home beyond narrative; in Beckett’s approach–one of enactment, and Picon’s–one of poetics.

  • Martine Colin-Picon, chercheur indépendant et ingénieur de recherche accompagnera Amy Smiley.
  • Jean-Michel Rabaté (University of Pennsylvania). « L’esthétique comme éthique, le dialogue entre Beckett et Duthuit. »                         J.M. Rabaté a étudié sur l’œuvre critique de Georges Duthuit (1891-1973), dans ses relations avec Clement Greenberg et Samuel Beckett.
  • Pierre Vilar (université de Pau). « Revers du tableau : portrait de Beckett en critique d’art ».
    Samuel Beckett a proclamé dans son essai sur les frères Van Velde son peu de goût pour la critique d’art. La plupart des brefs essais qu’il consacre aux arts plastiques ont été rangés par lui au rang des disjecta. Et pourtant. A l’image du tableau retourné que l’on finit par oublier, sur la scène de Fin de partie, le discours de l’art, le discours sur l’art pourrait bien hanter l’ensemble de l’œuvre, comme un horizon perdu, et la publication ces dernières années, en Angleterre puis en France, de la correspondance, permet d’accéder aux traces d’une véritable passion des images et de la peinture, passion contrariée qu’accompagne paradoxalement la construction progressive d’une compétence exceptionnelle, d’une étonnante expertise, sinon d’une légitimité toujours remise en cause.

Un compte rendu détaillé a été réalisé par Paul CHRISTOPHE et Yohan GIANERI, étudiants en deuxième année du master « Histoire, Théories, Critiques de l’Architecture », université Rennes 2.  Grand merci à eux:  P. Christophe et Y. Gianeri, Autour de Sam Francis et Bram van Velde

On trouvera la bibliographie de cette journée sous l’onglet Bibliographie sélective .

« L’effet Jean Dubuffet » (Gaëtan Picon), 6 avril 2018

PROGRAMME: Programme_MSHB_Relarts_6avril2018

Comme à propos de Bram van Velde, c’est l’œuvre d’un peintre, Jean Dubuffet (1901-1985) qui a été « la situation » observée. Pourquoi ce peintre ? Pour au moins trois raisons.

D’abord, l’évolution de sa carrière même est exemplaire de la suprématie progressive de New-York sur Paris dans la période qui nous intéresse. C’est le 8 juillet 1944, avant même la Libération de Paris, que paraît dans Comoedia le premier article sur l’œuvre de Jean Dubuffet, sous la plume de Georges Limbour : « Révélation d’un peintre Jean Dubuffet ». Le peintre expose chez René Drouin, à Paris. Mais, dès 1947, son œuvre traverse l’Atlantique pour être présentée à la Galerie Pierre-Matisse de New-York. En 1968, a lieu une première exposition à la Pace Gallery, qui va présenter, cinquante ans plus tard (en mai 2018), ses Théâtres de mémoire. Dubuffet ira même jusqu’à se détourner totalement de Paris, abandonnant la galerie Jeanne-Bucher entre 1971 et 1982. Comment expliquer l’impact de l’œuvre de ce peintre aux États-Unis et quel effet y a-t-elle produit ?

Ensuite, son œuvre est une de celles qui symbolisent le mieux, en tout cas au niveau français, le passage de relais entre les critiques écrivains et les critiques « professionnels », les historiens d’art et les philosophes s’emparant du leadership dans ce domaine, au milieu du xxe siècle. Georges Limbour publie Tableau bon levain, à vous de cuire la pâte, en 1953, mais son livre suivant, Le Recensement universel, ne paraîtra jamais. C’est Hubert Damisch que choisit Dubuffet dans les années soixante.

Enfin, cette œuvre-« continent » (Gaëtan Picon) est exemplaire d’une relation critique qui, dans cette période, peine à se définir, mesure ses propres impasses, et ce, dans un double mouvement discursif : « L’effet Dubuffet », pour reprendre encore le mot de Picon, suscite l’enthousiasme ou scandalise, dans un affrontement des discours en écho à ce combat en quoi consiste la peinture, décrit par Limbour au début de Tableau bon levain. En face, le peintre qui est aussi écrivain s’interroge sur la critique, jusqu’à la contester dans ses fondements mêmes.

Deux spécialistes de Jean Dubuffet, Sophie Berrebi, professeur à l’université d’Amsterdam, et Baptiste Brun, maître de conférences à l’université de Rennes 2, ont confronté leur point de vue à ceux de Dorian Manier, jeune chercheur à l’université de Paris Sorbonne, spécialiste de Gaëtan Picon, et Martine Colin-Picon et Françoise Nicol qui ont dirigé l’édition des écrits sur l’art de Georges Limbour. Martine Colin-Picon avait préparé une exposition, complétée par de précieux documents des Archives de la critique d’art, sur Dubuffet et Gaëtan Picon.

 

Rapport d’étape, 24 juillet 2017

Entre janvier et juillet 2017, période de recherche bibliographique et de construction des séminaires à venir, se sont confirmés parmi d’autres  les points suivants:

  1. L’opposition Paris-New-York (ou « École de Paris » – « École de New York », est réductrice. On pense l’histoire de l’art aujourd’hui en termes de « constellation » avec Jean-François Chevrier, ou de « réseau ». Et notre projet veut précisément questionner l’affirmation  suivante: dans les années 50, « Paris et la France avaient perdu leur hégémonie culturelle, New York s’était emparé de toutes les clefs critiques, au point que des marchands d’art avisés avaient quitté Paris pour faire du négoce en Amérique ». Dès 2010, Serge Guilbaut (« La dépression lyrique », Critique d’art, n°36)  alerte sur les simplifications excessives et souligne la vigueur avec laquelle la recherche est relancée sur cette période. La récente exposition consacrée à René Drouin, à la Bibliothèque des arts décoratifs de Paris (René Drouin et ses peintres, Nicole Marchand-Zañartu et Jean-Claude Drouin, dir.), démontre, parmi d’autres exemples, le schématisme de l’opposition sur laquelle reposait cette affirmation.
  2. La question de la 2e guerre mondiale et de ses effets est centrale. Ainsi, l’étude du rôle des Surréalistes en Amérique, pendant la guerre, puis de retour d’exil ensuite (voir le livre de Fabrice Flahutez) peut encore se prolonger. A propos d’André Masson, par exemple. Mais encore faut-il la poser de manière ample. « Quels sont les territoires, tant géographiques que chronologiques, de ‘l’après-guerre’ ? En d’autres termes, où, et quand, finit la guerre ? » Territoires géographiques mais aussi chronologiques (voir Cécile Bargues, « Après la guerre », revue Critique d’art, p. 48, p.  84)…  Après les travaux de Laurence Bertrand-Dorléac, Il faut encore questionner l’idée du « Repartir à zéro », en 1945, comme le fait Stéphane Guégan, par exemple, dans L’Art en péril.
  3. Nombre d’études actuelles élargissent à juste titre l’espace géographique aux deux Amériques, et à l’Asie. Voir O. Enwezor, K. Siegel, U. Wilmes (dir.), Post war, Art between The Pacific and the Atlantic, 1945-1965, Munich, Prestel, Haust Der Kunst, 2016 (846 p.).

S’il n’est pas envisageable de passer à cette échelle, dans le cadre d’un projet consacré à la France et Paris, l’idée est née de travailler sur quelques cas d’artistes américains en France et de peintres ou graveurs japonais vivant à Paris ou exposant en France. Cette dernière étude portera sur les œuvres japonaises présentes aux Biennales de Paris de cette période (1959-1966).