Archives de catégorie : ACTU: le journal de la recherche

Marcel Cohen, rencontres et parti-pris

Le livre de Marcel Cohen, Rencontres et partis-pris, regroupe des écrits sur l’art publiés entre 1976 et 2020 (L’Atelier contemporain, 2021). Ces écrits sont précédés d’un entretien très stimulant avec Nathalie Jungerman dont le point de départ est le constat du silence qui s’impose d’abord au critique: « Pour regarder une toile, il faut non seulement se taire, mais faire taire aussi, et dans un premier temps du moins, toute réaction critique » (p. 10). Comment écrire sans oublier cette obligation, mais au contraire en s’y adossant, par tous les moyens possibles, que Cohen teste en quelque sorte, d’un écrit à l’autre. Ce livre sonne juste, nettoie l’œil, oblige à quitter toute facilité routinière pour approcher, parmi d’autres artistes, Maya Anderson, Colette Brunschwig, Chris Burden, Alexandre Delay, Arnulf Rainer, Antonio Saura ou Gérald Thupinier.

Le Japon dans la Revue A

La Revue A (n°9, Rançon, 2020) propose un dossier sur le Japon dirigé par Martine MONTEAU et Atsuko NAGAI (« Échanges avec le Japon »). On en trouvera un compte rendu dans la revue Mélusine. 3 sections: « Surréalisme au Japon » avec une place importante accordée à TAKIGUCHI Shuzo, « Échanges Japon-Occident » (dont un article sur le sculpteur TSUKUI Toshiaki), « L’artiste MOTOMIYA Takeshi » et un ensemble de reproductions d’œuvres plastiques.

Jean Claude Drouin

Jean-Claude Drouin était le fils de René Drouin. Témoin de la Galerie de la place Vendôme, il était venu partager ses souvenirs avec le public de la Maison des sciences de l’homme de Bretagne, en février 2019, à notre invitation. La générosité, la simplicité et l’enthousiasme presque enfantin de celui qui fut aussi un grand architecte restera dans nos mémoires. On trouvera son témoignage ici. Il est mort, en novembre 2020. Une amie proche de lui a accepté que nous publions l’hommage qu’elle lui a rendu. Qu’elle en soit remerciée .

Marc Tobey

Si l’on habite Paris, on peut, pour quelques jours encore, aller à la rencontre des œuvres de Marc Tobey à la galerie Jeanne Bucher Jaeger, 5 rue de Saintonge. Leur prêter attention, … sans se demander, une fois encore, ce que peut bien signifier l’opposition figuration-abstraction.
Dans tous les cas,on peut se procurer le catalogue: Emmanuel Jaeger et Stanislas Ract-Madoux (dir.) Marc Tobey, Tobey or not to be, Galerie J. B. J., Gallimard, Paris, 2020. Contributions de C. Debray, L. Bertrand-Dorléac, D.  Anfam, T. Schlesser, E. Klein, S. Lambert.


© Galerie Jeanne Bucher Jaeger

Jean Leymarie

« Hegel annonçait déjà la mort prochaine de l’art, dont beaucoup pensent que c’est maintenant chose faite, dans une ère de pression technologique et de conditionnement culturel. Mais si l’art n’existe plus ou si nul ne sait plus comment le définir, il reste encore, fort heureusement, des artistes, c’est-à-dire des êtres de fantaisie et de liberté, qui sont la sauvegarde de l’homme. Ce qui compte, c’est la fonction créatrice de l’art, liée irréductiblement aux sources et au mystère de la vie, non les produits artistiques dont nous sommes au contraire massivement saturés par une diffusion souvent corruptrice et neutralisante. La planète tout entière, que l’homme est désormais capable de détruire ou de quitter, risque de se transformer en gigantesque et dérisoire objet d’art pour les futurs musées de l’espace. » (Rencontres de Genève, L’art dans la société d’aujourd’hui, tome XXI, Les Éditions de la Baconnière, Collection : Histoire et société d’aujourd’hui, Neuchâtel, 1968).

En 1967, Jean Leymarie participait aux Rencontres de Genève, aux côtés de James J. Sweeney, Theodor W. Adorno, Yves Bonnefoy, Alejo Carpentier Y Valmont, Gaëtan Picon et René Clair. Jean Starobinski était là. Les actes nous restent.
Son constat est lourd d’inquiétudes: l’art est menacé de mort; notre monde aussi. Mais il reste et il restera les artistes et la « fonction créatrice de l’art », constitutive de l’humain. Qui consacrera dans les années qui viennent un livre à Jean Leymarie (1919-2006) qui porta sur l’art du XXe siècle un regard si aigu? Qui reprendra à nouveaux frais la réflexion sur l’art dans sa relation avec le réel et la société des hommes, alors (et depuis) ressentie comme irrémédiablement abimée?

De nul lieu et du Japon

Ce 24 juin 2020, découverte du recueil de Jacques Dupin, De nul lieu et du Japon. Le poète Jacques Dupin (1927-2012), ami de Miro, a bien connu le Japon. Son livre, publié en 1986 par Fata morgana a d’abord été publié en 1978, accompagné par le peintre Jean Capdeville (il en existe un tiré àpart, imprimé par les typographes Fequet et Baudier). Voir ici.
27 textes brefs se succèdent. Voici le premier :

Plonger
entre ses genoux ouverts
reconquérir sur le blanc
le sang heurté de sa naissance

À parfaire
dans le geste d’encre

L’instabilité de l’éclair
indéfiniment maîtrisé

Voici le dernier, plus que les autres encore, dense et laconique :

Rien que
la question     le nombre
la terreur

La réception de GUTAI, en France, épisode 1.

En ce temps de confinement, circuler virtuellement entre Japon et France comme remède… Les indications suivantes sont incomplètes. Je demande l’indulgence des lecteurs qui sont invités à enrichir ces données, par leurs commentaires.

Découvrir GUTAI. La bibliographie concernant Gutai est abondante. Suggérons seulement, pour commencer, l’article suivant qui aborde à la fois l’histoire et la démarche des artistes, les sujets encore à creuser (du moins en 1986), et le rôle de Michel Tapié: PACQUEMENT Alfred, « Gutai : l’extraordinaire intuition », in VIATTE Germain et al., 1910-1970, Japon des avant-gardes, Paris, Centre Pompidou, 1986, p. 284-291.

Une chronologie des expositions consacrées à Gutai en France donne une première idée de la réception du mouvement japonais.

  • Gutai, Galerie Stadler, Paris, 30 novembre 1965 – 8 janvier 1966. Michel Tapié. 1re exposition en France.
  • Gutai est présent dans l’exposition 1910-1970, Japon des avant-gardes, Paris, Centre Pompidou, 1986. Le commissaire, Germain Viatte, qui va ensuite prendre la direction des Musées de Marseille, fait entrer des œuvres dans la collection du Musée Cantini.
  • Gutai est présent dans l’exposition Japon art vivant, Centre de la vieille Charité, 24 janvier- 8 mars 1987 (Jean Biagini, Shigeo Chiba, Maeno Toshikuni, Japon art vivant , catalogue, Marseille, S.l., Graffite, 1987).
  • Gutai, Galerie nationale du Jeu de paume, 4 mai-27 juin 1999 (Sarah Clément, Françoise Bonnefoy, Isabelle Sauvage, Gutai, catalogue, Paris, G.n. du Jeu de paume et RMN,1999. Yamamoto Atsuo, Ming Tiampo, Florence de Meredieu, Gutai, Moments de destruction, moments de beauté, actes du colloque organisé en juin 1999, Paris, Blusson, 2002).
  • Gutai , l’abstraction lyrique et l’art informel dans les collections du musée Cantini (?), Marseille, musée Cantini, janvier (?)-17 mai 2015.
  • Gutai, L’espace et le temps, Rodez, Musée Soulages, 7 juillet-4 novembre 2018 (Decron B, dir., Gutai, l’espace et le temps, catalogue, Rodez, Musée Soulages, 2018).
  • Gutai est présent dans l’exposition Viva Gino, une vie dans l’art, Toulouse, Les Abattoirs, 28 février-23 août 2020 (exposition actuellement inaccessible et en l’absence de catalogue).

Parmi les sources en ligne: site de la documentation du Centre Pompidou, site www.enrevenantdelexpo.com, site du musée des Abattoirs de Toulouse, dépositaire des archives de la galerie Stadler. Merci également à M. G. Viatte qui nous a accordé un entretien téléphonique . Il a joué un rôle important dans la connaissance de Gutai en France.

Pour une approche plus large de la réception de Gutai à l’international:
– Michael LUCKEN, « Gutai en tension : pour une histoire systémique des arts au stade de la mondialisation », in Perspective, 1, 2020, p. 281-292.
– Natalia SMOLIANSKAIA, sur ce site, à la rubrique ACTES

La sonnette de TANAKA Atsuko

La sonnette de TANAKA Atsuko, la japonaise (GUTAI), sonne vigoureusement l’alarme. Elle force en nous les « déplacements, dégagements » réclamés par le peintre et poète Henri Michaux. Par elle, nous comprenons que l’acte artistique s’impose, nous arrache au confort et attente à nos équilibres. Elle a été installée  au sol, cette semaine, au musée des Abattoirs. Sonnerie stridente, insistante et mobile à la fois, qui démarre dans une salle, suit (pour l’œil et l’oreille  du spectateur) un chemin circulaire  dans les salles voisines, perd en volume pour revenir en force dans la salle de départ. Elle fait partie des très nombreuses et exceptionnelles pièces de la collection de Gino Di Maggio présentées jusqu’au 23 août 2020 à Toulouse.

TANAKA Atsuko, 1st Gutai Art Exhibition, Ohara Kaikan, Tokyo, ca. October 19-28, 1955.

Les autres femmes artistes (pour reprendre la typographie d’une récente parution de Phaidon, 400 femmes artistes) présentes dans cette exposition sont KUBOTA Shigeko, SAITO Takako et Yoko ONO. Sont évoquées YAYOI Kusama et SHIOMI Mieko.

Chemin de traverse

Nicole Marchand-Zañartu et Jean Lauxerois, Médiapop éditions, 2020

Le livre 32 grammes de pensées, Essai sur l’imagination graphique, n’est pas dédié aux seuls arts visuels. Et pourtant… Il présente, à 32 reprises, un « schème ou schéma originaire selon lequel prend forme et s’organise une brusque inspiration, une pensée naissante , une théorie en gestation, une œuvre en cours d’élaboration ». Bref, voilà des « grammes », qui sont aussi « la mesure de la légèreté », et qu’accompagne un court texte. Délice à lire/à regarder. On y trouve cette définition du « peindre » que ne renierait aucun des Modernes qui, de Georges Braque aux Abstraits, ont recherché l’autonomie de l’espace pictural , tout en étant héritière de la tradition allemande (p.49). Elle est signée d’Oscar Bluemner, surnommé « le Vermillonnaire », qui se disait proche de Goethe :

« Étant donné que le « peindre » est aussi bien ligne (dessin) que couleur (pigment et medium) sur un support (papier blanc, toile claire), et qu’il comporte des figures plates lumineuses au lieu de volumes plastiques (sculpture), la ligne de couleur et la couleur qui l’emplit, tout comme l’espace fond lumineux, doivent être ressenties et doivent être rendues comme ressenties: et c’est là par quoi naît l’expression, ou la plastique picturale (au lieu de la décoration). Dans la peinture, ce qui prévaut, c’est l’âme, dans la décoration c’est l’esthétique : espace,contour, emplissage sont les trois éléments. » (Oscar Bluemner)

Bibliographie de critiques d’art francophones

L’équipe de Bibliographie de critiques d’art francophones de l’université PARIS 1 qui met en ligne de précieuses informations sur les critiques d’art francophones va ouvrir bientôt, grâce au laboratoire HiCSA, une nouvelle séquence de travail. C’est une bonne nouvelle. Voir http://critiquesdart.univ-paris1.fr

Cette information nous permet de rappeler ici une bien plus mauvaise nouvelle, la disparition récente de Claude Schvalberg, ancien libraire de La Porte étroite, à Paris, auteur du Dictionnaire de la critique d’art à Paris, 1890-1969 (Presses universitaires de Rennes, 2014, Préface de Jean-Paul Bouillon). La clarté, la solidité des informations qu’il délivrait était sans faille. Nous sommes nombreux à avoir pu nous appuyer à son savoir. Notre reconnaissance est grande et sa mort provoque une grande tristesse.

Femmes, années 50. Au fil de l’abstraction, peinture et sculpture

C’est le titre de la nouvelle exposition du Musée Soulages de Rodez, du 14 décembre 2019 au 10 mai 2020. PROLONGEMENT jusqu’au 31 octobre 2020. « Elles » sont à l’honneur. L’histoire de la mise en valeur des artistes femmes commence aux États-Unis au milieu du XXe siècle et n’a pas fini de s’écrire. Qu’elle soit reliée ici à celle de l’abstraction dont l’étude revient sur le devant de la scène. est une très belle idée.

Le catalogue (Hazan-musée Soulages) est une mine. En particulier l’article de Julie Verlaine, « Des ‘papesses de l’art abstrait’ aux ‘galeriennes de l’art’. Portrait collectif des directrices de galerie dans les années 1950 », les entretiens (Pierrette Bloch, Colette Brunschwig, Raymonde Godin, Liliane Klapisch, Vera Molnar), l’Abécédaire (de Abstraction-Création à Zeid), la bibliographie très informée. Avec un avant-propos d’Alfred Pacquement et un hommage du directeur de musée, Benoit Decron, à Geneviève Bonnefoi.

« Déjà aux Etats-Unis se tenait en 1951 l’exposition fondatrice Ninth Street Show, dans laquelle figuraient 4 femmes : Joan Mitchell, Grace Hartigan, Elaine de Kooning et Helen Frankenthaler. Dans L’ Autre moitié de l’avant-garde 1910/1940 de Lea Vergine, Éditions des femmes, publication doublée d’une exposition en 1980 en Italie, Lea Vergine parle de découvrir la « moitié suicidée du génie créateur de ce siècle ». En 2009, le Centre Pompidou offrait une importante exposition, « Elles », qui réunissait plus de 3 millions de visiteurs ». Site du musée Soulages

Surréalisme au Japon

« Les écrivains japonais pratiquèrent le surréalisme d’une façon qui leur permettait de mettre entre parenthèses les différences existant entre le Japon et la France comme entre l’Ouest et l’Est, et de créer ainsi une littérature moderne au sens plein du terme, c’est-à-dire universelle. En conséquence, pour beaucoup d’intellectuels japonais, le surréalisme incarna la condition même de l’esthétique moderne. » HASHIMOTO Satoru

L’histoire du Surréalisme au Japon est évidemment redevable au groupe d’André Breton (et ce, dès les années vingt). Mais elle est surtout originale, d’abord par l’importance de son impact (repérée par André Breton lui-même) mais surtout par ses orientations, dans le contexte culturel japonais.

Les publications en japonais abondent. En France, les travaux de Véra Linhartova ont été parmi les premiers (Dada et Surréalisme au Japon, Paris, Publications orientalistes de France, 1987). En 2016, Martine Monteau et Atsuko Nagai (Sophia University, Tokyo) ont proposé un dossier passionnant (« Le Surréalisme au Japon » Revue Mélusine, n°XXXVI ). Sur le site de la revue, on peut en lire la présentation. Mais nous attendons avec impatience la publication numérique, dans son intégralité, puisque la maison d’édition ne le livre plus. Par chance, un article très intéressant du chercheur HASHIMOTO Satoru (université de Chicago) est en lecture sur le site. Intitulé « Politique de la méta-esthétique: Surréalisme, Japon et colonialisme« , il permet de saisir la spécificité du Surréalisme japonais.

La présence du Surréalisme au Japon est très prégnante, non seulement dans les années 20 et 30, mais après 1945 et encore aujourd’hui, en littérature comme dans les arts visuels. La récente exposition consacrée à l’artiste FUKUZAWA Ichiro (1898-1992), au Musée national d’art moderne de Tokyo, en est un exemple. TAKIGUCHI Shuzo (1903-1979), poète, peintre et animateur de la vie artistique après la guerre, joue un rôle éminent bien sûr (une exposition lui était consacrée en 2018 dans ce même musée). Mais elle ne doit pas oblitérer les autres figures du Surréalisme, tout aussi importantes, tel YAMANAKA Chiru (Tiroux) (1905-1977). Une conférence du professeur Kurosawa Y., en 2018, à l’université de Sophia où l’avait invité le professeur Nagai, m’a permis de le découvrir. (Références des publications à la rubrique Tokyo-Paris, 1945-1970.)

Repenser Malraux

André Malraux, ministre des affaires culturelles. Copyright: culture.gouv.fr

Repenser Malraux, la valeur actuelle de sa pensée interdisciplinaire. C’est le titre d’un colloque qui se tiendra à Tokyo, les 7 et 8 décembre 2019, à l’université de Sophia et à la Maison franco-japonaise. Six thèmes seront traités par des spécialistes français et japonais d’André Malraux : L’humanisme, L’après-guerre, La tentation de l’Asie, L’histoire littéraire et Malraux, Le discours concernant l’art, Le cinéma et l’essai sur le cinéma. Organisation: European Institute of Sophia University & Comité du colloque international d’André Malraux 2019 au Japon.

Informations: https://relarts.hypotheses.org/files/2019/11/Repenser-Malraux-Tokyo-pdf.pdf

André Malraux, qui fut le premier des Ministres des Affaires culturelles (1959-1969), fut à l’initiative de la Biennale de Paris, qu’il nommait aussi « Biennale des jeunes », l’une de ses premières décisions. On célèbre cette année les soixante ans du Ministère. Étudier la peinture et plus largement la vie artistique de l’après-guerre exige l’analyse de la politique culturelle, celle d’ André Malraux, et, près de lui, de Gaëtan Picon, directeur des Arts et lettres, en duo avec Émile Biasini.

L’appropriation actuelle de l’« avant-garde » russe et ses enjeux

Natalia Smolianskaïa

Vendredi 11 octobre 2019 – 10h-12h

LIER-FYT – 10 rue Monsieur-le-Prince – Paris

Quelles représentations de l’avant-garde sont construites aujourd’hui?

Malévitch, dont Natalia Smolianskaïa est spécialiste, est le point de départ d’une réflexion stimulante sur les représentations, différentes, conflictuelles de ce qui fut une orientation essentielle de l’art moderne.

La rencontre organisée en octobre 2019 confirme la démarche suivie par les chercheurs invités lors de nos journées de recherche : toute analyse, en histoire de l’art ou de la littérature, s’efforce de reconstituer le contexte dans lequel s’est élaborée la représentation. On ne pense pas l’art abstrait de la même manière au début du XXe siècle, dans les années trente ou dans la période de la guerre froide ; c’est une évidence. N’importe quelle tendance artistique, pour peu qu’elle ait un certain rayonnement, est emprisonnée dans des cadres esthétiques et historiques, des enjeux de pouvoir politiques, économiques , etc. Toute herméneutique, voire toute lecture sont contraintes par ce cadre. Il serait illusoire de penser que cet effort de contextualisation puisse aboutir totalement, mais sa fécondité est grande : toute interprétation est alors insérée dans sa dépendance à l’égard d’une représentation (au sens de Roger Chartier, Serge Moscovici).

Natalia Smolianskaïa est théoricienne de l’art, chercheuse, curatrice et artiste. Elle était directrice du programme au Collège international de philosophie à Paris entre 2007 et 2013, l’un de ses séminaires portait sur les avant-gardes. Elle a co-dirigé avec Jean-Pierre Cometti en 2010 le numéro de la revue “Rue Descartes” consacré aux avant-gardes. Aujourd’hui elle enseigne au Département d’art et design à l’Ecole des hautes etudes en économie (Moscou) où elle dirige le séminaire “Lieu de l’art”.