Archives par mot-clé : Art abstrait

Marcel Cohen, rencontres et parti-pris

Le livre de Marcel Cohen, Rencontres et partis-pris, regroupe des écrits sur l’art publiés entre 1976 et 2020 (L’Atelier contemporain, 2021). Ces écrits sont précédés d’un entretien très stimulant avec Nathalie Jungerman dont le point de départ est le constat du silence qui s’impose d’abord au critique: « Pour regarder une toile, il faut non seulement se taire, mais faire taire aussi, et dans un premier temps du moins, toute réaction critique » (p. 10). Comment écrire sans oublier cette obligation, mais au contraire en s’y adossant, par tous les moyens possibles, que Cohen teste en quelque sorte, d’un écrit à l’autre. Ce livre sonne juste, nettoie l’œil, oblige à quitter toute facilité routinière pour approcher, parmi d’autres artistes, Maya Anderson, Colette Brunschwig, Chris Burden, Alexandre Delay, Arnulf Rainer, Antonio Saura ou Gérald Thupinier.

Jean Claude Drouin

Jean-Claude Drouin était le fils de René Drouin. Témoin de la Galerie de la place Vendôme, il était venu partager ses souvenirs avec le public de la Maison des sciences de l’homme de Bretagne, en février 2019, à notre invitation. La générosité, la simplicité et l’enthousiasme presque enfantin de celui qui fut aussi un grand architecte restera dans nos mémoires. On trouvera son témoignage ici. Il est mort, en novembre 2020. Une amie proche de lui a accepté que nous publions l’hommage qu’elle lui a rendu. Qu’elle en soit remerciée .

Marc Tobey

Si l’on habite Paris, on peut, pour quelques jours encore, aller à la rencontre des œuvres de Marc Tobey à la galerie Jeanne Bucher Jaeger, 5 rue de Saintonge. Leur prêter attention, … sans se demander, une fois encore, ce que peut bien signifier l’opposition figuration-abstraction.
Dans tous les cas,on peut se procurer le catalogue: Emmanuel Jaeger et Stanislas Ract-Madoux (dir.) Marc Tobey, Tobey or not to be, Galerie J. B. J., Gallimard, Paris, 2020. Contributions de C. Debray, L. Bertrand-Dorléac, D.  Anfam, T. Schlesser, E. Klein, S. Lambert.


© Galerie Jeanne Bucher Jaeger

Jean Leymarie

« Hegel annonçait déjà la mort prochaine de l’art, dont beaucoup pensent que c’est maintenant chose faite, dans une ère de pression technologique et de conditionnement culturel. Mais si l’art n’existe plus ou si nul ne sait plus comment le définir, il reste encore, fort heureusement, des artistes, c’est-à-dire des êtres de fantaisie et de liberté, qui sont la sauvegarde de l’homme. Ce qui compte, c’est la fonction créatrice de l’art, liée irréductiblement aux sources et au mystère de la vie, non les produits artistiques dont nous sommes au contraire massivement saturés par une diffusion souvent corruptrice et neutralisante. La planète tout entière, que l’homme est désormais capable de détruire ou de quitter, risque de se transformer en gigantesque et dérisoire objet d’art pour les futurs musées de l’espace. » (Rencontres de Genève, L’art dans la société d’aujourd’hui, tome XXI, Les Éditions de la Baconnière, Collection : Histoire et société d’aujourd’hui, Neuchâtel, 1968).

En 1967, Jean Leymarie participait aux Rencontres de Genève, aux côtés de James J. Sweeney, Theodor W. Adorno, Yves Bonnefoy, Alejo Carpentier Y Valmont, Gaëtan Picon et René Clair. Jean Starobinski était là. Les actes nous restent.
Son constat est lourd d’inquiétudes: l’art est menacé de mort; notre monde aussi. Mais il reste et il restera les artistes et la « fonction créatrice de l’art », constitutive de l’humain. Qui consacrera dans les années qui viennent un livre à Jean Leymarie (1919-2006) qui porta sur l’art du XXe siècle un regard si aigu? Qui reprendra à nouveaux frais la réflexion sur l’art dans sa relation avec le réel et la société des hommes, alors (et depuis) ressentie comme irrémédiablement abimée?

Chemin de traverse

Nicole Marchand-Zañartu et Jean Lauxerois, Médiapop éditions, 2020

Le livre 32 grammes de pensées, Essai sur l’imagination graphique, n’est pas dédié aux seuls arts visuels. Et pourtant… Il présente, à 32 reprises, un « schème ou schéma originaire selon lequel prend forme et s’organise une brusque inspiration, une pensée naissante , une théorie en gestation, une œuvre en cours d’élaboration ». Bref, voilà des « grammes », qui sont aussi « la mesure de la légèreté », et qu’accompagne un court texte. Délice à lire/à regarder. On y trouve cette définition du « peindre » que ne renierait aucun des Modernes qui, de Georges Braque aux Abstraits, ont recherché l’autonomie de l’espace pictural , tout en étant héritière de la tradition allemande (p.49). Elle est signée d’Oscar Bluemner, surnommé « le Vermillonnaire », qui se disait proche de Goethe :

« Étant donné que le « peindre » est aussi bien ligne (dessin) que couleur (pigment et medium) sur un support (papier blanc, toile claire), et qu’il comporte des figures plates lumineuses au lieu de volumes plastiques (sculpture), la ligne de couleur et la couleur qui l’emplit, tout comme l’espace fond lumineux, doivent être ressenties et doivent être rendues comme ressenties: et c’est là par quoi naît l’expression, ou la plastique picturale (au lieu de la décoration). Dans la peinture, ce qui prévaut, c’est l’âme, dans la décoration c’est l’esthétique : espace,contour, emplissage sont les trois éléments. » (Oscar Bluemner)

Femmes, années 50. Au fil de l’abstraction, peinture et sculpture

C’est le titre de la nouvelle exposition du Musée Soulages de Rodez, du 14 décembre 2019 au 10 mai 2020. PROLONGEMENT jusqu’au 31 octobre 2020. « Elles » sont à l’honneur. L’histoire de la mise en valeur des artistes femmes commence aux États-Unis au milieu du XXe siècle et n’a pas fini de s’écrire. Qu’elle soit reliée ici à celle de l’abstraction dont l’étude revient sur le devant de la scène. est une très belle idée.

Le catalogue (Hazan-musée Soulages) est une mine. En particulier l’article de Julie Verlaine, « Des ‘papesses de l’art abstrait’ aux ‘galeriennes de l’art’. Portrait collectif des directrices de galerie dans les années 1950 », les entretiens (Pierrette Bloch, Colette Brunschwig, Raymonde Godin, Liliane Klapisch, Vera Molnar), l’Abécédaire (de Abstraction-Création à Zeid), la bibliographie très informée. Avec un avant-propos d’Alfred Pacquement et un hommage du directeur de musée, Benoit Decron, à Geneviève Bonnefoi.

« Déjà aux Etats-Unis se tenait en 1951 l’exposition fondatrice Ninth Street Show, dans laquelle figuraient 4 femmes : Joan Mitchell, Grace Hartigan, Elaine de Kooning et Helen Frankenthaler. Dans L’ Autre moitié de l’avant-garde 1910/1940 de Lea Vergine, Éditions des femmes, publication doublée d’une exposition en 1980 en Italie, Lea Vergine parle de découvrir la « moitié suicidée du génie créateur de ce siècle ». En 2009, le Centre Pompidou offrait une importante exposition, « Elles », qui réunissait plus de 3 millions de visiteurs ». Site du musée Soulages

« La peinture radieuse de David Lewis »

David Lewis est un artiste anglais, installé à Rennes, en Bretagne, depuis 1990. En février 2019, je l’ai vu entrer dans l’amphithéâtre où se tenait le colloque organisé à la MSHB de Rennes. La réflexion sur l’art abstrait que nous menions alors l’intéressait, lui permettant, sans doute, de repasser mentalement par les bifurcations et les carrefours de son parcours: l’évolution de son travail montre en effet que le rapport à la nature et la présence-absence de la figure le préoccupent. Son site, qui s’ouvre sur une photo de pleine présence, permet de prendre connaissance de ce parcours. Mais des écrits le concernant, c’est celui signé de Michel Nuridsany qui m’a le mieux éclairée : « La peinture radieuse de David Lewis », in Jean-Pierre Bruaire et Catherine Melotte, David Lewis, Granville Gallery, 2011. Les monochromes (bas de la page) exposés alors sont distingués par le critique de ceux de Malévitch ou d’Yves Klein. Voilà pourquoi:

« Cette peinture est chargée d’un vécu, certes peu apparent mais non inexistant (…) . Les monochromes de David Lewis (font) naître (la peinture) d’un fond chargé de mémoire à partir duquel elle émane. On pourra dire que ce n’est rien, mais tout s’en trouve changé. Il s’agit d’apparences semblables mais d’un processus différent, d’une façon de mettre en œuvre avec radicalité ce qu’André Masson appelle de ses vœux: « Dans l’art, écrit-il, il n’y a ni formes, ni objets, il n’y a que des événements, des surgissements, des apparitions« . Exactement cela: David Lewis fomente des apparitions. »

On lira aussi avec intérêt le court texte du peintre, « A propos de ma peinture ».

L’appropriation actuelle de l’« avant-garde » russe et ses enjeux

Natalia Smolianskaïa

Vendredi 11 octobre 2019 – 10h-12h

LIER-FYT – 10 rue Monsieur-le-Prince – Paris

Quelles représentations de l’avant-garde sont construites aujourd’hui?

Malévitch, dont Natalia Smolianskaïa est spécialiste, est le point de départ d’une réflexion stimulante sur les représentations, différentes, conflictuelles de ce qui fut une orientation essentielle de l’art moderne.

La rencontre organisée en octobre 2019 confirme la démarche suivie par les chercheurs invités lors de nos journées de recherche : toute analyse, en histoire de l’art ou de la littérature, s’efforce de reconstituer le contexte dans lequel s’est élaborée la représentation. On ne pense pas l’art abstrait de la même manière au début du XXe siècle, dans les années trente ou dans la période de la guerre froide ; c’est une évidence. N’importe quelle tendance artistique, pour peu qu’elle ait un certain rayonnement, est emprisonnée dans des cadres esthétiques et historiques, des enjeux de pouvoir politiques, économiques , etc. Toute herméneutique, voire toute lecture sont contraintes par ce cadre. Il serait illusoire de penser que cet effort de contextualisation puisse aboutir totalement, mais sa fécondité est grande : toute interprétation est alors insérée dans sa dépendance à l’égard d’une représentation (au sens de Roger Chartier, Serge Moscovici).

Natalia Smolianskaïa est théoricienne de l’art, chercheuse, curatrice et artiste. Elle était directrice du programme au Collège international de philosophie à Paris entre 2007 et 2013, l’un de ses séminaires portait sur les avant-gardes. Elle a co-dirigé avec Jean-Pierre Cometti en 2010 le numéro de la revue “Rue Descartes” consacré aux avant-gardes. Aujourd’hui elle enseigne au Département d’art et design à l’Ecole des hautes etudes en économie (Moscou) où elle dirige le séminaire “Lieu de l’art”.

FRANCE – ÉTATS-UNIS

Attention: cette bibliographie embryonnaire est en cours de constitution.

France – États-Unis. Critique d’art

  • GREENBERG Clement, Ecrits choisis des années 1940 & Art et Culture, introduction et notes par Katia Schneller, traduction par Christine Savinel et par Ann Hindry, Paris, Macula, 2017.

France – États-Unis. Histoire de l’art, histoire culturelle

  • COHEN-SOLAL Agnès, « Un jour ils auront des peintres », L’avènement des peintres américains Paris 1867-New York 1948, Paris, Gallimard, 2000.
  • ENWEZOR O., SIEGEL K., WILMES U.  (dir.), Post war, Art between The Pacific and the Atlantic, 1945-1965, Munich, Prestel, Haust Der Kunst, 2016.
  • GUILBAUT Serge, How New York Stole the Idea of Modern Art: Abstract Expressionism, Freedom and the Cold War. Chicago: University of Chicago Press, 1983.
  • LAUDE Jean, « Problèmes de la peinture en Europe et aux États-Unis (1944-1951) » in Art et idéologies, l’art en Occident 1945-1949, CERIEC de Saint-Etienne, 1978.
  • TRESPEUCH Hélène, La Crise de l’art abstrait ? Récits et critique dans les années 1980, en France et aux États-Unis, Rennes, PUR,  2014. Voir aussi, dans la revue Critique d’art, son article « Les États-Unis de la peinture » française : Supports-Surfaces à l’épreuve du temps.

BIBLIOGRAPHIE SÉLECTIVE DES JOURNÉES D’ÉTUDE

Bibliographie sélective de la journée d’étude:  Autour de Sam Francis et Bram van Velde (Archives de la critique d’art, 14 décembre 2017).

1. Autour de Sam FRANCIS
  • Archives de Pierre Restany, Archives de la Critique d’Art, Dossier États-Unis, American Painting, en particulier le sous-dossier « Sam Francis ».
  • MICHAUD Yves, Mon art, mon métier, ma magie…, Sam Francis, entretiens), Strasbourg, L’Atelier contemporain, François-Marie Deyrolle éditeur, 2015.

Catalogues

  • (Collectif) Sam Francis : Les années parisiennes 1950-1961, Paris, Galerie nationale du Jeu de Paume (décembre 1995- février 1996), 1995.
  • CHASSEY (de) Éric et RAMOND Sylvie (dir.), Repartir à zéro, 1945-1949, comme si la peinture n’avait jamais existé, Lyon, Musée des Beaux-Arts de Lyon, 2008.
  • HULTÉN K.G. Pontus, « Portrait », Catalogue Sam Francis, Bonn, édition Cantz, 1993, p. 13 -34.

Revues

  • ASHTON, Dore, « Regards sur la saison new-yorkaise », The New York Gallery Season 1958-1959 », Revue Cimaise, Paris, vol. 6, n° 5, juin-août 1959, p. 38-39.
  • BOUDAILLE, Georges, « Sam Francis », Revue Cimaise, vol. 8, n° 51, Paris, janvier-février 1961, p. 97.
  • C.M., « Sam Francis : un des meilleurs américains », Arts, n° 800, 20 décembre 1960.
  • CONIL-LACOSTE, Michel-Louis, « Artistes américains à Paris » Informations et Documents, USIS, n° 51, août 1956.
  • ROSENBERG Harold, « The American action painters », in Art News, n° 1, 1952.

2. Autour de Bram van VELDE

  • BECKETT Samuel, « Bram van Velde », Paris, Derrière le miroir, galerie Maeght, juin 1948.
  • BECKETT Samuel, « Bram van Velde » (1949 et 1957), in Trois dialogues, Paris, Éditions de Minuit, 1998. Texte paru dans la revue Transition Forty nine, n° 5, Paris, décembre 1949, puis traduit en français par l’auteur pour le catalogue de l’exposition Bram van Velde de la galerie Michel Warren (Paris, 7 mai-1er juin 1957) et pour l’ouvrage de Jacques Putman (infra).
  • DUTHUIT Georges, « Bram van Velde », Paris, Derrière le miroir, galerie Maeght, février 1952.
  • DUTHUIT Georges, « Bram van Velde ou Aux colonnes d’Hercule », in Représentation et présence, premiers écrits et travaux 1923-1952, Paris, Flammarion, coll. Idées et recherches, 1974.
  • JULIET Charles, « Bram van Velde et l’infigurable » Paris, Critique, n°252, mai 1968.
  • LEYMARIE Jean, Bram van Velde, Archives de l’art contemporain, publié à l’occasion de la rétrospective Bram van Velde, Musée national d’Art moderne, 2 décembre 1970-25 janvier 1971 (préface de Gaëtan Picon, textes critiques d’Édouard Loeb, Samuel Beckett, Georges Duthuit, Franz Meyer et al.).
  • PUTMAN Jacques, Bram van Velde, Paris, Georges Fall éditeur, Le Musée de poche, 1958 (textes de Samuel Beckett, Georges Duthuit, Jacques Putman).

Bibliographie sélective de la journée d’étude:  L’Art abstrait, analyse de discours critiques  (Archives de la critique d’art, 23 février 2018).

  • CAPDEVILA Élisa,  « Les Américains à la Cité internationale universitaire de Paris, 1944-1950 », dans Dzovina Kévonian et Guillaume Tronchet, La Babel étudiante. La Cité internationale universitaire de Paris (1920-1950), Rennes, P.U.R., 2013.
  • CAPDEVILA Élisa,  Des Américains à Paris. Artistes et bohèmes dans la France de l’après-guerre, Éditions Armand Colin, mars 2017.
  • CORDERO MARTIN Beatriz, « The Fundamental Role of James Johnson Sweeney in Promoting Spanish Artists in the United States (1934-1975) »; Chapter in the book North America and Spain: Transversal Perspectives, ed. Julio Cañero, Escribana Books, Arte Poética Press, New York, 2017.
  • Sur James Johnson Sweeney, voir le site des Archives de la critique d’art-INHA,  le Fonds AICA International
  • LIMBOUR  Georges, Spectateur des arts, écrits sur la peinture, 1924-1969, Paris, Le Bruit du temps, 2013.

Bibliographie sélective de la journée d’étude: « L’effet Dubuffet »(Archives de la critique d’art, 6 avril 2018).

  • BERREBI Sophie, « Nothing is Erased: Hubert Damisch and Jean Dubuffet », in October ,154, MIT Press, 2015.
  • Catalogue des travaux raisonnés de Jean Dubuffet, Paris, J.-J. Pauvert, 1965, fasc. I à VII.
  • DAMISCH Hubert et DUBUFFET Jean, Entrée en matière (édition de Sophie BERREBI), Zurich, JRP/Ringier et Paris, La Maison rouge, 2016.
  • DUBUFFET Jean et al, Almanach de l’art brut (édition établie sous la dir. de S.Lombardi et Baptiste Brun), Collection de l’Art brut, 2016.
  • DUBUFFET Jean, Prospectus aux amateurs de tout genre, Paris, Gallimard, « Métamorphose », 1946.
  • DUBUFFET Jean, Prospectus et tous écrits suivants, Paris, Gallimard, 1967, 1995, 4 vol.
  • JAKOBI Marianne et DIEUDONNE Julien, Dubuffet, Paris, Perrin , 2007.
  • LIMBOUR Georges, Tableau bon levain, à vous de cuire la pâte, L’art brut de Jean Dubuffet, Paris, René Drouin, 1953.
  • PICON Gaëtan, Le Travail de Jean Dubuffet, Genève, Skira, 1973.

Le colloque final

L’art abstrait en quête de définitions:
Paris, New-York, Tokyo, 1944-1964. 

Maison des sciences de l’homme de Bretagne (MSHB), Rennes (et Brest en visio-conférence)
7-8 février 2019

Le colloque, aboutissement d’une réflexion menée depuis 2016 sur la peinture à Paris dans l’après-guerre (1944-1964),  a questionné l’art abstrait dans cette période quand il est devenu un « phénomène mondial » (Dora Vallier). Non avec la prétention d’en donner une définition univoque, mais pour tenter d’explorer le maquis des dénominations dans le champ de la peinture, de mettre en lumière la variété des démarches artistiques et la complexité des circulations des œuvres, des artistes et des divers acteurs de la vie artistique, à Paris, au Japon et aux États-Unis. La peinture a été envisagée sous l’angle de la « relation critique », pour reprendre la formule de Jean Starobinski. 
Base documentaire:  Archives de la critique d’art–INHA.
ACTES: voir ici

Colloque organisé par le CELLAM, EA 3206 Rennes 2, en partenariat avec la Maison des sciences de l’homme de Bretagne. Sous la direction du professeur Jean-Pierre Montier et de Françoise Nicol, MCF, langue et littérature françaises.

APPEL : AC_Charte_MSHB_REL-ARTS

Jeudi 7 février 2019 : L’art abstrait, Japon – Paris

Matin:  Face à l’internationalisation de l’art au Japon

  • 9h30-10h15 : ouverture du colloque par Leszek BROGOWSKI, professeur et vice-président de l’université Rennes 2 et Jean-Pierre MONTIER, professeur et responsable scientifique du colloque, CELLAM, université Rennes 2. Introduction par Françoise NICOL, CELLAM, université Rennes 2 : Deux ans d’enquête sur « l’École de Paris ».
  •  10h15-11h : Michael LUCKEN, professeur, INALCO, ouverture : Japon : le risque de « l’ailleurs ».
  • 11h15-11h45 : Yuri MITSUDA, conservatrice au Kawamura Memorial DIC Museum of art, à Sakura, Japon et membre du Conseil de l’AICA-Japon :  Informel  whirlwind in Japan: what it  changed.
  • 11h45-12h15: Lilian FROGER, docteur, ACA-INHA et université Rennes 2 : 1962 : année japonaise pour Pierre Restany.

Après-midi : Formes d’abstraction au Japon

  • 14h00-14h30 : Eugenia BOGDANOVA-KUMMER, Lecturer in Japanese Arts, Sainsbury Institute, University of East Anglia, Norwich, Grande Bretagne, Art abstrait et calligraphie au Japon
  • 14h30-15h : Natalia SMOLIANSKAIA, historienne d’art et commissaire d’exposition, Moscou (Russie), « Jetez-vous en l’air »: l’art abstrait au croisement de la corporéité concrète
  • 15h30-16h : Mélissa LALOUETTE, étudiante en Master 2 Histoire de l’art (MAGEMI), université Rennes 2, présentera, avec Nathalie BOULOUCH, directrice des Archives de la critique d’art, l’exposition A propos du Japon, conçue et réalisée à partir d’une recherche documentaire dans les collections des Archives de la critique d’art-INHA.

Une troisième voie

  • 16h-16h30 : Fabrice FLAHUTEZ, professeur, université Paris Nanterre, Entre abstractions et figurations, la troisième voie lettriste
  • 17h45-20h : Soirée  au Musée des Beaux-Arts de Rennes: diffusion du film documentaire Trésor vivant (2012) consacré à l’artiste Kunihiko MORIGUCHI. Intervention de son réalisateur, le cinéaste Marc PETITJEAN, avec Martine COLIN-PICON, chercheur indépendant.
Vendredi 8 février 2019 : Art abstrait, voie introuvable ?

Matin : Explorer les limites de l’art abstrait et de ses définitions

  • 9h00-9h30 : Sandrine HYACINTHE, docteur en histoire de l’art, université Paris 10,  L’œuvre de Tal Coat, retour sur une voie perdue de l’abstraction
  • 9h30-10h : Frédéric MONTEGU, PRAG, université Lyon 2 et CIEREC de Saint-Étienne, Abstraction et paysage
  • 10h30-11h00 :  Raphaël NEUVILLE, docteur, université Toulouse Jean-Jaurès, Les relations du Surréalisme à l’abstraction après la Seconde Guerre mondiale
  • 11h00-12h00 : Yves CHEVREFILS DESBIOLLES, chercheur à l’IMEC, projection du film Hélion, New York, 1946, un artiste au travail ou Hélion et l’abandon de l’abstraction

Après-midi : Paris, carrefour

  • 14h-14h30 : Juliette EVEZARD, docteur, université Paris-Nanterre, Michel Tapié ou la « tentation » du Japon
  • 14h30-16h15 : René Drouin, un éditeur d’art et un découvreur dans le marché de l’art parisien, table-ronde avec Jean-Claude DROUIN, architecte, fils du galeriste René Drouin, Benoît DECRON, directeur des musées du Grand Rodez, Claire PAULHAN, chercheuse et éditrice et Nicole MARCHAND-ZAÑARTU, chercheur indépendant. Discussion menée par Laurence IMBERNON, conservatrice au Musée des Beaux-Arts de Rennes, suivie d’un échange avec la salle.
    Projection d’un extrait du film Claude Berri rencontre Leo Castelli : marchand d’art, 1988.
  • 16h30-16h50 : Bilan du colloque par Jean-Marc POINSOT, professeur en histoire de l’art, université Rennes 2
  • 16h50-17h00 : Jean-Pierre MONTIER et Françoise NICOL : La recherche à venir dans le prolongement du projet.
  • 17h00-17h15: Françoise THIBAULT, déléguée générale de l’Alliance Athéna, et Nicolas THELY, directeur de la MSHB, concluront le colloque.

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Les abstracts en anglais sont ici: Abstracts TT EN

Les résumés en français et  les bio-bibliographies des intervenants : Abstracts et bio-bibliographies 

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Durant le colloque, la librairie Le Failler de Rennes sera présente à la MSHB. Vente de livres et dédicaces des auteurs.

Conseil scientifique international

Nathalie BOULOUCH, MCF histoire de l’art, université Rennes 2, et directrice  des Archives de la critique d’art-INHA. Martine COLIN-PICON, docteur en en langue et littératures françaises et chercheur indépendant.Laurence IMBERNON, historienne d’art, conservatrice au Musée des Beaux-arts de Rennes. Jean-Pierre MONTIER, professeur de langue et littérature françaises, CELLAM, université Rennes 2. Françoise NICOL, MCF de langue et littérature françaises, université de Nantes, CELLAM. Timothée PICARD, professeur de langue et littérature françaises, CELLAM. Jean-Michel RABATE, professeur de littérature française, université de Pennsylvanie. Natalia SMOLIANSKAIA, historienne d’art et commissaire d’exposition, Moscou (Russie). Pierre VILAR, MCF en langue et littérature françaises, université de Pau.

Comité d’organisation

Laurence BOUVET-LEVEQUE et  Nelly BREGEAULT-KREMBSER 
(Cellule Recherche UFR ALC, université Rennes 2). Yolande SAMBIN, chargée de projets, MSHB – USR CNRS 3549 et Catherine GODEST, chargée de communication MSHB. Jean-Pierre MONTIER et Françoise NICOL.  Assistante : Sophie CHAPEY, titulaire d’un master en Histoire de l’art (université Rennes 2)

CALL: “Defining abstract art, Paris - New York - Tokyo, 1944-1964”

 The symposium is the culmination of a project that began in 2016 on painting in the post-war era (1944-1964).

Sometimes regarded as an in-between period and no doubt underestimated by academia, it began in November 1944, the year when the Salon d’Automne was renamed the Salon de la Libération and dedicated to Picasso. It is said to have symbolically come to an end in June 1964, the date of the 32nd Venice Biennale, when the American Robert Rauschenberg received the Grand Prix. Painting is considered in the context of a “critical relationship”, to use the words of Jean Starobinski, that is, in terms of its combined reception among writers and critics, and the art community and the general public. The Art Criticism Archives of the Rennes National Institute of Art History (Archives de la critique d’art, INHA de Rennes), provided a valuable body of documentation for the seminar work.

The aim of this symposium is to question how the art community regarded abstraction during this period. In galleries as in discourse, abstract painting plays a leading role in aesthetic power relations that play out internationally and which are inseparable from economic and political issues. The presence of abstraction changes artists’ positions, whether they class their work to be abstract or not, and generates debate both among writers and critics.

We feel it is necessary to explore abstract art in the post-war period when it became a “worldwide phenomenon”, spelling the start of global flows in the art world for stakeholders across the board. Our aim is not to give it a single definition, but rather to gain a better understanding of the complexity of denominations in the field of painting (art informel, “art autre” (art of another kind), concrete art, and Réalités nouvelles (new realities), etc.), to analyse the gaps between the discourse on “abstract art” and that of earlier periods, and to try and define their characteristics in context. We will consider the theoretical viewpoints and the often contradictory stories developed in intellectual frameworks that may be derived from the thinking of the avant-garde movement or from new academicisms in particular.

At a time when discussion about abstraction as a promise or an impasse has virtually dried up, when talk is more often of false debate, and when more general and contradictory definitions are becoming widespread, we hope to shed some light on the matter of abstraction, by moving beyond the far too simple abstraction-figuration antithesis.

Research must fit into an international perspective. It can also build on critical works from writers or “specialists”, be based on case studies (for example, an analysis of the work and impact of a Paris gallery with international connections), or focus on an unexpected artistic direction. The aesthetic angle may also be developed more widely. In any event, it will foster different perspectives around the chosen subject. The importance of reflection is that it is interdisciplinary. Researchers in literature(s) who are interested in art criticism in all its forms (from articles for journals to poetic writings, for example) will be able to exchange with art historians, philosophers or sociologists.

L’argumentaire scientifique est ici: Argumentaire scientifique pour diffusion

Arts abstraits au pluriel?, 23 février 2018

Vendredi 23 février 2018. 10h-17h.

LIEU:  Archives de la critique d’art-INHA, 4 Allée Marie Berhaut, 35000 Rennes.

   PROGRAMME: L‘art abstrait sous le regard de ses observateurs ou doit-on écrire  au pluriel « art abstrait »(1944-1964)?

La journée d’étude du 23 février 2018 est la deuxième du programme de recherche La « relation critique » en France : les arts visuels vus à travers les écrits, 1944-1964

Archives de la critique d’art-INHA, Rennes. La journée a réuni des jeunes chercheurs de diverses disciplines (histoire, histoire de l’art, linguistique, littérature), les étudiants en master d’histoire de l’art d’Antje KramerMallory, maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université de Rennes 2 (EA 1279) ainsi que deux étudiantes de Master littérature à l’université de Nantes.

L’interrogation sur « l’art abstrait » a été prolongée non plus en partant des peintres, mais en mettant en perspective les points de vue de ses observateurs, toujours dans un espace « transatlantique ». L’art abstrait  a été observé à la fois comme unité lexicale et comme notion.

Une galerie d’abord, la galerie du Dragon, située à Paris mais assurant un lien en marge de l’abstraction avec les artistes des Amériques, a été étudiée par Élisa Capdevila.

Les critiques ensuite : comment inscrire l’art abstrait dans l’histoire de la peinture ? Que fait-il au spectateur ? Par quels clivages est-il traversé ? Au fait, « l’art abstrait », du moins au singulier, existe-t-il dans cette période (1944-1964) marquée par les questionnements, les polémiques et ce mélange, difficile à démêler, de dogmatisme et de mobilité des positions ? Pour y réfléchir, ont été confrontés deux discours critiques, celui de Georges Limbour (1900-1970) et celui de James Johnson Sweeney (1900–1986). La linguiste Valérie Rochaix examinera les termes associés à l’abstraction dans les chroniques parisiennes du poète et critique français. Deux historiennes d’art, Beatriz Cordero Martin et Lola Lorant, mettront en relation les écrits et le travail du premier directeur du Solomon Guggenheim Museum de New York et membre fondateur de l’AICA.

  • 10h: introduction: Nathalie Boulouch, directrice des Archives de la critique d’art (ACA-INHA) et Françoise Nicol.
  • 10h45: Elisa Capdevila (docteure en histoire, membre associée du Centre d’Histoire Culturelle des Sociétés Contemporaines, Université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines) : « La Galerie du Dragon, un lieu de rencontres transnationales en marge de l’abstraction ».

Reprise en 1955 par le poète Max Clarac-Sérou, la Galerie du Dragon s’affirme à la fin des années 1950 et au début des années 1960 comme un lieu de rencontres internationales, en rupture avec un milieu de l’art dominé par l’abstraction. Y seront exposés, sous la houlette du peintre Matta, des artistes venus d’horizon divers, pour la plupart figuratifs et d’inspiration surréaliste et, pour beaucoup, marqués par les luttes de décolonisation. Ce lieu reflète ainsi à la fois le dynamisme et la complexité de la scène artistique parisienne de cette époque. Son histoire est aussi celle de l’essor d’un nouvel art figuratif, transnational et engagé, dans l’Occident de la guerre froide.

  • 11h15: Exposition présentée par les étudiants en histoire de l’art d’Antje Kramer-Mallordy. Avec le soutien de Laurence Le Poupon, chargée des archives aux ACA-INHA.
  • 13h45: Valérie Rochaix (docteure en sciences du langage de l’Université Bretagne Loire et membre du laboratoire CoDiRe (Construction discursive des représentations linguistiques et culturelles, EA 4643, université de Nantes): « L’exploration outillée (par les logiciels d’analyse Tropes et Iramuteq) de la critique littéraire. Le cas de l’art abstrait dans l’œuvre critique de G. Limbour ».

Que peuvent dire les articles du critique d’art Georges Limbour de l’évolution de la représentation de l’art abstrait entre la sortie de la 2e guerre mondiale et le milieu des années 60 ? Nous nous proposons d’explorer cette question dans une perspective sémantique, en concentrant notre recherche sur le mot abstrait et ses dérivés tels qu’ils sont déployés dans le recueil Spectateur des arts, écrits sur la peinture (1924-1969) (ed. M. Colin-Picon, F. Nicol). Fondée sur les données produites par deux logiciels d’analyse textuelle théoriquement à même de tenir la subjectivité de l’analyste à distance, Tropes et Iramuteq, notre étude présente des résultats fondés sur les seules données textuelles, dépourvues de l’éclairage des spécialistes en lettres et en histoire de l’art mais, nous l’espérons, à même de leur proposer de nouvelles pistes d’analyse.

Autour de James Johnson Sweeney:

  • 14h45: Beatriz Cordero Martin (historienne d’art, docteure en Histoire de l’art de Complutense University, Madrid, enseignante à Saint Louis University, Madrid :  » Abstract Art and Plastic Redirections in 20th Century Art. A reflexion on Sweeney’s critical and curatorial work ».

Beatriz Cordero’s presentation will focus on Sweeney’s view on abstraction, from his first exhibition as a curator at The Renaissance Society (University of Chicago, 1934), Abstract Art by Four Twentieth-century Painters to his important role as a champion of Abstract Expressionism. Sweeney´s perspective on abstract art will be compared to that of his contemporaries, such as Alfred Barr, Albert Barnes, Hilla Rebay, Peggy Guggenheim or John and Dominique de Menil.

  • 15h30: Lola Lorant (doctorante en histoire de l’art, université Rennes 2, et membre du programme PRISME aux ACA-INHA): La participation de James Johnson Sweeney aux débats de l’AICA : un point de vue américain sur l’abstraction, entre singularité et conformisme.

L’intérêt de James Johnson Sweeney pour l’art européen fait figure d’exception sur une scène artistique américaine qui, enorgueillie de l’émergence de l’expressionnisme abstrait américain, se détourne du vieux continent. Mais faut-il pour autant considérer la posture du critique d’art et directeur de musée comme dissidente à l’égard d’un discours sur l’art américain connu pour être chauvin et triomphaliste ? Les rencontres de l’AICA, à partir de 1948, témoignent de l’ouverture internationale de James Johnson Sweeney, mais également de son rôle de représentant de l’art américain, conforme aux politiques menées par les institutions muséales ?

 Traduction: Laurence Imbernon, conservateur au Musée de Rennes.

Autour de Sam Francis et Bram Van Velde, 14 décembre 2017

1. Jeudi 14 décembre 2017. 10h-17h.

LIEUArchives de la critique d’art-INHA, 4 Allée Marie Berhaut, 35000 Rennes (directrice: Nathalie Boulouch).

PROGRAMME: Autour de Sam Francis et de Bram van Velde

Cette journée a réuni des chercheurs de diverses disciplines (histoire de l’art, esthétique et littérature) et les étudiants en master d’histoire de l’art d’Antje KramerMallordy, maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université de Rennes 2 (EA 1279).

Elle a permis d’observer deux « situations ». Le mot est emprunté au premier directeur du Centre Pompidou, Pontus Hulten : « Par situation, on peut entendre: exposition, salon, revue, galerie, collection particulière, c’est-à-dire un tout, un ensemble de lieux où des gens curieux de leur temps et d’eux-mêmes » (Catalogue de l’exposition Paris-New York, 1977).

La première a été examinée à partir d’un tableau du peintre Sam Francis, acquis par le musée des Beaux-Arts de Rennes, en France : Composition bleue sur fond blanc, 1960. Le second peintre au cœur de notre réflexion sera Bram Van Velde dont l’art, aux yeux de Samuel Beckett, en 1957, est « différent de tout art pratiqué jusqu’à ce jour » (Trois Dialogues). Ces deux recherches ont permis d’entamer l’étude du regard porté sur la peinture, des deux côtés de l’Atlantique, dans la période de l’après-guerre. Quelles représentations de celle-ci s’élaborent dans les discours croisés de Samuel Beckett, dont la position critique sera particulièrement examinée, et de Georges Duthuit, en résonance avec la pensée de Gaëtan Picon et celle de Clement Greenberg ?

Intervenants

  • Introduction du séminaire (F.Nicol)
  • Laurence Imbernon (historienne d’art, Musée des Beaux-Arts de Rennes) Autour d’une œuvre de Sam Francis, Composition bleue sur fond blanc, 1960. La réception de Sam Francis en France ».
  • Amy Smiley: (New-York University) . »Fathoming Abstract Expressionism: the Case of Bram van Velde ».

Critics, gallery owners, and artists themselves participated in a narrative of the act of creation in Abstract Expression, deeply entrenched in the post-war culture in New York. Could van Velde’s work be seen through the lens of this narrative? The pathos of van Velde finds a more likely home beyond narrative; in Beckett’s approach–one of enactment, and Picon’s–one of poetics.

  • Martine Colin-Picon, chercheur indépendant et ingénieur de recherche accompagnera Amy Smiley.
  • Jean-Michel Rabaté (University of Pennsylvania). « L’esthétique comme éthique, le dialogue entre Beckett et Duthuit. »                         J.M. Rabaté a étudié sur l’œuvre critique de Georges Duthuit (1891-1973), dans ses relations avec Clement Greenberg et Samuel Beckett.
  • Pierre Vilar (université de Pau). « Revers du tableau : portrait de Beckett en critique d’art ».
    Samuel Beckett a proclamé dans son essai sur les frères Van Velde son peu de goût pour la critique d’art. La plupart des brefs essais qu’il consacre aux arts plastiques ont été rangés par lui au rang des disjecta. Et pourtant. A l’image du tableau retourné que l’on finit par oublier, sur la scène de Fin de partie, le discours de l’art, le discours sur l’art pourrait bien hanter l’ensemble de l’œuvre, comme un horizon perdu, et la publication ces dernières années, en Angleterre puis en France, de la correspondance, permet d’accéder aux traces d’une véritable passion des images et de la peinture, passion contrariée qu’accompagne paradoxalement la construction progressive d’une compétence exceptionnelle, d’une étonnante expertise, sinon d’une légitimité toujours remise en cause.

Un compte rendu détaillé a été réalisé par Paul CHRISTOPHE et Yohan GIANERI, étudiants en deuxième année du master « Histoire, Théories, Critiques de l’Architecture », université Rennes 2.  Grand merci à eux:  P. Christophe et Y. Gianeri, Autour de Sam Francis et Bram van Velde

On trouvera la bibliographie de cette journée sous l’onglet Bibliographie sélective .

Tal Coat

Georges Limbour, Tal Coat, préface de Pierre Brullé, Paris, Le Bruit du temps, 2017.

A l’occasion de l’année Tal Coat, paraît  un petit volume élégant contenant 4 textes  des années 1950 sur le peintre Pierre Tal Coat. Ces textes, éclairés par l’historien d’art Pierre Brullé et illustrés, replacent le peintre dans le débat figuration/abstraction, tout en le mettant en relation avec Cézanne. Le poète-critique Limbour a connu Tal Coat, près de la Montagne Sainte-Victoire, alors que le peintre habitait non loin d’un de ses meilleurs amis, André Masson.

Deux livres sont signés par le spécialiste de Tal Coat (1905-1985), Jean-Pascal Léger: 1. la réédition des entretiens enregistrés avec le peintre dans son atelier de Dormont, en 1977, aux éditions L’Atelier contemporain: L’Immobilité battante, Pierre Tal Coat. Photographies en noir et blanc de l’atelier par Michel Dieuzaide. 2. La monographie Tal Coat, Pierre et front de bois, chez Somogy, qui s’ouvre sur une citation du peintre Jean-Lous Bentajou. Voir le compte rendu dans la revue Critique d’art.

Signalons pour finir le livre important  du critique d’art et commissaire d’expostion, Jean-Marc Huitorel, paru, lui, en février 2019 : Tal Coat en devenir, 1905-1985, Locus Solus, à l’occasion de la rétrospective Tal Coat, à Pont-Aven (autres auteurs: Estelle GUILLE des BUTTES-FRESNEAU, Directrice et conservatrice en chef du musée de Pont-Aven et Olivier DELAVALLADE, directeur du domaine de Kerguéhennec).